tag:blogger.com,1999:blog-84750162178064435552013-11-07T05:32:32.319-08:00El Anexo Arte ContemporáneoEl Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.comBlogger23125tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-38981176153489323462013-11-07T05:23:00.001-08:002013-11-07T05:32:32.329-08:00 Las armas no matan. Jesús Hernández-Güero<style><!-- /* Font Definitions */ @font-face {font-family:Arial; panose-1:2 11 6 4 2 2 2 2 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:auto; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:3 0 0 0 1 0;} @font-face {font-family:Cambria; panose-1:2 4 5 3 5 4 6 3 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:auto; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:3 0 0 0 1 0;} /* Style Definitions */ p.MsoNormal, li.MsoNormal, div.MsoNormal {mso-style-parent:""; margin-top:0cm; margin-right:0cm; margin-bottom:10.0pt; margin-left:0cm; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Times New Roman"; mso-ascii-font-family:Cambria; mso-fareast-font-family:Cambria; mso-hansi-font-family:Cambria; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-language:EN-US;} p.MsoFootnoteText, li.MsoFootnoteText, div.MsoFootnoteText {mso-style-noshow:yes; mso-style-link:"Texto nota pie Car"; margin-top:0cm; margin-right:0cm; margin-bottom:10.0pt; margin-left:0cm; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Times New Roman"; mso-ascii-font-family:Cambria; mso-fareast-font-family:Cambria; mso-hansi-font-family:Cambria; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-language:EN-US;} span.MsoFootnoteReference {mso-style-noshow:yes; vertical-align:super;} span.TextonotapieCar {mso-style-name:"Texto nota pie Car"; mso-style-noshow:yes; mso-style-locked:yes; mso-style-link:"Texto nota pie"; mso-ansi-font-size:12.0pt; mso-bidi-font-size:12.0pt; mso-fareast-language:EN-US;} @page Section1 {size:612.0pt 792.0pt; margin:70.85pt 3.0cm 70.85pt 3.0cm; mso-header-margin:36.0pt; mso-footer-margin:36.0pt; mso-paper-source:0;} div.Section1 {page:Section1;} --></style> <br /><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 11.5pt; mso-fareast-language: ES-TRAD;">Texto de Gerardo Zavarce y Felix Suazo</span></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 11.5pt; mso-fareast-language: ES-TRAD;">En Venezuela, cuando alguien está en lo cierto o sigue la pista correcta, se dice que “por ahí van los tiros”.<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;&nbsp; </span>Pero cuando de armas se trata, no hay que tomarse las cosas<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>a la ligera y dejarse de “pistoladas” porque cualquiera puede ser el blanco de un disparo. Según la Encuesta Nacional de Victimización realizada en el 2009 “La proporción de uso de armas de fuego en situaciones de victimización delictiva para los delitos de homicidio, robo y secuestro se eleva a 79,5%, 74% y 79,2%, respectivamente”<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=8475016217806443555#_ftn1" name="_ftnref" style="mso-footnote-id: ftn;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;">[1]</span></span></a>. </span></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-dgcNQUGTQUs/UnuLW4TLL3I/AAAAAAAAAPk/FMsDeudKeUI/s1600/Glock+17.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="154" src="http://2.bp.blogspot.com/-dgcNQUGTQUs/UnuLW4TLL3I/AAAAAAAAAPk/FMsDeudKeUI/s200/Glock+17.jpg" width="200" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX" style="font-family: Arial; mso-ansi-language: ES-MX;">Enmarcado en ese panorama, la exposición “Las armas no matan” de Jesús Hernández-Güero (La Habana, 1983), nos coloca ante<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>un “arsenal” iconográfico, confeccionado a partir de informaciones recabadas en las páginas de sucesos, a propósito de diversos hechos delictivos, perpetrados con armamento de corto y mediano alcance. De allí resulta un inventario de pistolas, revólveres y rifles, cuya imagen impregnada de pólvora se reproduce serigráficamente sobre tela, cual si huebieran sido estampadas “a quema ropa”. En tal sentido, el artista propone una sintaxis cruzada donde el significado se deriva de la yuxtaposición estratégica de la materia y la imagen.&nbsp;</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-HHOCd0CJJiw/UnuLsjRHrmI/AAAAAAAAAPs/YnQf2J9hjfQ/s1600/SMITH+&amp;+WESSON+Magnum+3.57.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="154" src="http://3.bp.blogspot.com/-HHOCd0CJJiw/UnuLsjRHrmI/AAAAAAAAAPs/YnQf2J9hjfQ/s200/SMITH+&amp;+WESSON+Magnum+3.57.jpg" width="200" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX" style="font-family: Arial; mso-ansi-language: ES-MX;">La frase que da título al proyecto<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>abre una zona de ambigüedad discursiva, al afirmar algo que desde la óptica del sentido común parece insostenible. Paradójicamente, si nos apegamos de manera estricta al significado de las palabras, las pistolas impresas de Hernández-Güero “no matan”, de la misma manera en que la pipa pintada de Magritte no es una pipa. En su resolución instalatoria la propuesta de Hernández-Güero se desarrolla en un escenario oscilante, a medio camino entre el gabinete de un coleccionista de armas y un campo de tiro. Por un lado, los “hierros” están cuidadosamente dispuestos y jerarquizados en las paredes, siempre apuntando en la misma dirección. Por otro lado, el suelo está cubierto de casquillos vacíos<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>sobre los cuales debe caminar el espectador.<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;&nbsp;</span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-hcLJVhX4dQk/UnuL1jIkWyI/AAAAAAAAAP0/r_kyPAbyLFo/s1600/MARUZEN+MicroUzi-L.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-hcLJVhX4dQk/UnuL1jIkWyI/AAAAAAAAAP0/r_kyPAbyLFo/s200/MARUZEN+MicroUzi-L.jpg" width="175" /></a><span lang="ES-MX" style="font-family: Arial; mso-ansi-language: ES-MX;">Ubicado en ese lugar de intersecciones -sitio de contemplación y de experiencia- el sujeto queda atrapado “entre dos fuegos”, con los ojos puestos en la textura granulada de la pólvora –piel y contorno de las armas- y<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>sintiendo bajo los zapatos el crujir de las conchas después de la balacera. En este punto, el autor nos coloca ante una de las preguntas cruciales de nuestro tiempo: ¿qué puede hacer el arte frente a la violencia?. </span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX" style="font-family: Arial; mso-ansi-language: ES-MX;">En realidad, el arte no puede detener las balas, ni neutralizar el efecto mortífero de los más de 450 millones de armas que según un informe de la Interpol, hay en el mundo en poder de civiles. Tampoco puede impedir que cada año mueran unas 240.000 personas por esta causa. Lo que el arte sí puede hacer es intentar redireccionar la violencia,<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>como lo han hecho Chris Burden cuando se hizo disparar en su brazo izquierdo (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Shoot</i>, 1971) o Tania Bruguera cuando se colocó un revolver cargado en la sien mientras impartía una conferencia (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Autosabotaje</i>, 2009). En el caso de la exposición “Las armas no matan” de Hernández-Güero, el problema de la violencia se aborda de manera multifocal, repartiéndose<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>entre la pregnancia sensible de la imagen,<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>el significado de los materiales y la conducta corporal del espectador. El riesgo es compartido, nadie está a salvo, cualquiera puede ser sorprendido como Pedro Navaja por “un Smith &amp; Wesson del Especial”. </span></div><div style="mso-element: footnote-list;"><br clear="all" /><hr align="left" size="1" width="33%" /><div id="ftn" style="mso-element: footnote;"><div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;"><a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=8475016217806443555#_ftnref" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 10.0pt; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-special-character: footnote;">[1]</span></span></span></a><span style="font-size: 10.0pt; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Armas de fuego y victimización delictiva en Venezuela. En: Sentido e impacto del uso de armas de fuego en Venezuela. Comisión Presidencial Control de Armas, Municiones y desarme. UNES – Universidad nacional Experimental de la Seguridad. P. 15. http://comisionpresidencialdesarme.gob.ve/descargas/Sentido%20e%20impacto%20del%20uso%20de%20armas%20de%20fuego%20en%20Venezuela.pdf</span></div></div></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-59686289024890686162013-09-16T09:02:00.000-07:002013-09-16T09:02:19.897-07:00Sobre la muestra "Plomo" de Juan Toro<div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"><b>Texto de Félix Suazo y Gerardo Zavarce</b></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><br /></div><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="background-color: white; float: left; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-UJaX3evvOus/Ujcqwt1uHwI/AAAAAAAAAOk/Y5vw6d_8vwA/s1600/Untitled-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-UJaX3evvOus/Ujcqwt1uHwI/AAAAAAAAAOk/Y5vw6d_8vwA/s200/Untitled-1.jpg" width="127" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="font-size: 13px; text-align: center;"><br /></td></tr></tbody></table><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">En el arte moderno y contemporáneo -al menos en sus manifestaciones más radicales- la belleza es percibida como una env</span></span><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small; text-align: center;">oltura frívola, tras la cual se esconde una realidad hostil y desencantada. Es cierto: lo bello y lo bueno, la estética y la ética, no siempre son compatibles.&nbsp;&nbsp;Sin embargo, a veces la belleza nos agarra desprevenidos, como cuando un proyectil a la deriva alcanza a una víctima indefensa.</span></div><br /><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><br /></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">“Plomo”, muestra fotográfica de Juan Toro (Caracas, 1969), recrea esa simbiosis perversa donde lo&nbsp;&nbsp;hermoso es sinónimo de horror y muerte.&nbsp;&nbsp;La exposición está integrada por una serie de 16 fotografías&nbsp;&nbsp;realizadas entre 2011 y 2012, en las cuales el artista registra restos de balas (esquirlas, casquillos, perdigones). El conjunto plantea la relación entre arte y violencia, creando una suerte de taxonomía forense de aparente neutralidad.</span></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><br /></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">En esta ocasión, Toro adopta una postura metódica y más sosegada. A diferencia de sus trabajos anteriores,&nbsp;&nbsp;en estas fotografías no hay sangre en el asfalto, ni cadáveres amortajados con sábanas. Tampoco hay cuerpos tiroteados ni deudos impotentes. Lo que hay son metales deformes con ornamentos exóticos que semejan joyas monumentales. A partir de allí, el artista ha construido un inventario visual de la infamia cotidiana, trofeos residuales de la violencia callejera, esa que aun campea al margen de las políticas de desarme instrumentadas oficialmente.</span></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><br /></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">La propuesta de Toro parece rememorar episodios de la escultura antigua y moderna. Son imágenes donde la evidencia criminal asume formas caprichosas -esféricas, irregulares, cilíndricas, cónicas-, emulando el aura rústica de los volúmenes escultóricos. Sin embargo, esos arañazos, deformidades y desprendimientos que aparentan ser parte de un repertorio plástico, son en realidad indicios de un mal que cada vez cobra mayores víctimas.</span></span></div><div style="background-color: white; color: #222222; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><br /></div><a href="http://1.bp.blogspot.com/-TVf3vJGR5_U/UjcqzHSPDgI/AAAAAAAAAOs/KAecSblMVKg/s1600/Untitled-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-TVf3vJGR5_U/UjcqzHSPDgI/AAAAAAAAAOs/KAecSblMVKg/s200/Untitled-2.jpg" width="131" /></a><span lang="ES-MX" style="background-color: white; color: #222222;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">De cierta manera, cada fragmento de munición recolectado en la escena de un delito no sólo es un “cuerpo extraño” que esparce su potencialidad letal en el tejido social, sino también una materia ajena&nbsp;&nbsp;-un volumen sustitutivo- que habla de un “cuerpo ausente”. Finalmente, las fotografías de esta exposición&nbsp;nos recuerdan la estrecha reciprocidad que existe entre las nociones de obra y documento en las prácticas visuales contemporáneas: una imagen puede ser evidencia; una evidencia puede ser imagen.</span></span><br /><div class="yj6qo ajU" style="background-color: white; color: #222222; cursor: pointer; font-family: arial, sans-serif; font-size: 13.333333015441895px; outline: none; padding: 10px 0px; width: 22px;"><div aria-label="Muestra el contenido reducido" class="ajR" data-tooltip="Muestra el contenido reducido" id=":1b7" role="button" style="background-color: #f1f1f1; border: 1px solid rgb(221, 221, 221); clear: both; line-height: 6px; outline: none; position: relative; width: 20px;" tabindex="0"><img class="ajT" src="https://mail.google.com/mail/u/0/images/cleardot.gif" style="background-image: url(https://ssl.gstatic.com/ui/v1/icons/mail/ellipsis.png); background-position: initial initial; background-repeat: no-repeat no-repeat; height: 8px; opacity: 0.3; width: 20px;" /></div></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-73158179278056995642013-09-10T08:01:00.002-07:002013-09-10T13:52:48.297-07:00Sobre el libro "Umbrales de la Museología"<a href="http://4.bp.blogspot.com/-psTSkzpDdOc/Ui8z65FmwtI/AAAAAAAAAMU/FHqmjjv3eh4/s1600/Umbrales+portada+(baja).jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-psTSkzpDdOc/Ui8z65FmwtI/AAAAAAAAAMU/FHqmjjv3eh4/s320/Umbrales+portada+(baja).jpg" width="225" /></a><b>Texto de Gabino Matos</b><br /><b>Agosto 2013</b><br /><b>Escrito originalmente para la revista Artefacto</b><br /><span style="text-align: justify;"><br /></span><span style="text-align: justify;">La obra </span><b style="text-align: justify;"><i>Umbrales de la Museología</i>(</b><b style="text-align: justify;">*)</b><span style="text-align: justify;">, del destacado investigador y curador </span><b style="text-align: justify;">Félix Suazo</b><span style="text-align: justify;">, inaugura la sección editorial de El Anexo/Arte Contemporáneo, espacio expositivo alternativo que, con cinco años de actividades, ofrece nuevas miradas sobre el arte actual de Venezuela, a través de exposiciones y reflexiones que rompen esquemas, amplían criterios y retan convencionalismos.</span><br /><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></div><a name='more'></a><br /><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i>Umbrales de la Museología</i></b>se torna una publicación de necesaria lectura para todo profesional o público interesado en el mundo de los museos, el patrimonio, la crítica y la educación artística. Pues, en un lenguaje sencillo y directo, pero sin desatender el análisis y la profundidad de contenidos, estructura un discurso entre conceptos significativos, ejemplo, analogías, experiencias y vivencias; una suerte de mirar hacia dentro la dinámica funcional del museo. No se expone aquí el tradicional y distante comentario del museo como institución ideal, como fachada-continente de las obras de arte y sus significados validados por la tradición, Suazo define, justifica, detalla y critica acciones y actividades que caracterizan la dinámica interna del museo.&nbsp;</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">No idealiza, más bien se centra en un comentario útil, actualizado y necesario que proporciona elementos para ver de otra manera, no sólo lo que es evidente al público, sino también los manejos profesionales encubiertos, internos y desconocidos que maneja el personal del museo. Suazo nos ofrece una suerte de “visita guiada” (sé que este término no le place) por departamentos, dependencias, y espacios museísticos con el propósito de fomentar un mirar curioso, atento, analítico de lo que estima que también debería ser objeto de exposición y conocimiento por parte del público: la vida funcional interna del museo.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: left;"></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Refresca las funciones del personal especializado – al menos dedicado – en atender el registro y clasificación de obras, su conservación y montaje, su depósito y traslado, su embalaje y seguridad. En fin, este libro es una lectura que en mucho contribuye al iniciado en esta parcela de la cultura. Ofrece una breve pero crítica reflexión sobre la “Nueva Museología”, pero centrada en nuevas formas de abordar sus contenidos, y por tanto, distante de sus utopías y aspiraciones. También dedica un amplio comentario a la curaduría, al “sano oficio de curar”, una de las experiencias más extensas en la vida profesional de Suazo, las cuales respalda desde vivencias personales y experiencias compartidas, aderezadas con ejemplos, nombres y casos expositivos. Estima el autor que el trabajo consensuado entre la trilogía investigación, curaduría, museología – lamentablemente excluye educación- permitiría renovar la conceptualización de las funciones expositivas y formativas de las exposiciones y ponerlas en contexto con nuevas coordenadas conceptuales, operativas&nbsp; y&nbsp; proyectivas. De la curaduría aborda sus antecedentes y se explana en las prácticas y experiencia que hoy han perfilado su actual interpretación y sus dimensiones axiológica, expositiva y hermenéutica. El papel del curador y su mediación, protagonismo e interacción con el público también se nutre de las vivencias del autor.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">El apartado que más captó mi atención fue “El Museo contra la polisemia”, donde se aborda de modo crítico la imagen corporativa y exhibitiva que el museo ofrece al público; critica los enfoques convencionales, cerrados en su interpretación y lectura, porque asfixian las posibilidades expresivas de la obra misma y la creatividad interpretativa que el público pudiera generar ante el objeto expuesto. Este apartado ofrece elementos suficientes para motivar una aguda reflexión sobre la función educativa del museo, la cual necesita que sus aportes e innovaciones sean sistematizados y contextualizados en nuevas corrientes del pensamiento, donde la construcción del saber y la validación de experiencias y vivencias de los observadores juegan papel preponderante. Estos comentarios de Suazo se enlazan con otras visiones sobre este mismo tenor, cuyo análisis conjunto iluminaría un nuevo modo de abordar la función educadora del museo. Todo el contenido del libro está ilustrado con apuntes gráficos del propio Suazo, de lo que le ha llamado la atención en las exposiciones visitadas dentro y fuera del país.</div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Finalmente, queremos compartir con Gerardo Zavarce, el plausible propósito de esta publicación: “Generar contenidos desde nuestras latitudes, desde nuestras agonías contingentes, desde nuestras oscuridades estructurales o zonas de invidencia, implica un reto que asumimos con la dignidad de la experiencia creadora y por la convicción de la importancia que tiene en nuestros contextos generar contenidos, archivos para contenerlos y estrategias para compartirlas.” (**) Palabras sin desperdicio que recogen nuestro sentir y nuestras conclusiones, después haber leído la más reciente obra de Félix Suazo.</div><div class="Sinespaciado1"><br /></div><div class="Sinespaciado1">(*)Félix Suazo.</div><div class="Sinespaciado1"><b><i>Umbrales de la Museología<o:p></o:p></i></b></div><div class="Sinespaciado1">Ediciones El Anexo/Arte Contemporáneo</div><div class="Sinespaciado1">Caracas, 2012.</div><div class="Sinespaciado1"><br /></div><div class="Sinespaciado1">(**) Gerardo Zavarce en el texto de Presentación de <b><i>Umbrales de la Museología<o:p></o:p></i></b></div><br /><div class="Sinespaciado1"><br /></div><br />El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-91138963279351975452013-06-21T10:25:00.001-07:002013-06-21T10:25:31.568-07:00Inaugura "Inanimados" de Marylee Coll<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-iMOhg38BCD8/UcSLzcvjtdI/AAAAAAAAAK0/aBwGxXaSJ14/s1600/lomas+de+san+roman,2012(1).JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="http://4.bp.blogspot.com/-iMOhg38BCD8/UcSLzcvjtdI/AAAAAAAAAK0/aBwGxXaSJ14/s320/lomas+de+san+roman,2012(1).JPG" width="320" /></a><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">El domingo 23 de junio, a partir de las 11 am, El Anexo / Arte Contemporáneo inaugura la muestra “<b>Inanimados</b>” de Marylee Coll (1957), quien presenta una serie fotográfica centrada en la relación entre la economía informal y la estética doméstica, partiendo del registro de estatuillas ornamentales de porcelana. <o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Las imágenes de dichas piezas fueron tomadas por la artista en diversos sitios de Caracas, dedicados a la venta de objetos usados o ventas de garage que pertenecieron a personas fallecidas o que se van del país.&nbsp; <o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span lang="ES-MX">El conjunto propone un relato del abandono y la pérdida en el momento de la diáspora, de la urgencia o de la fatalidad, cuando todo aquello que poseemos (incluyendo las f</span>igurillas decorativas), ingresa al mecanismo de las ventas de garaje.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-b6KOq-XERec/UcSL9X-ZUaI/AAAAAAAAAK8/Vj8bhZVI5ug/s1600/polares,+los+samanes,+2010(1).JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><img border="0" height="213" src="http://4.bp.blogspot.com/-b6KOq-XERec/UcSL9X-ZUaI/AAAAAAAAAK8/Vj8bhZVI5ug/s320/polares,+los+samanes,+2010(1).JPG" width="320" /></span></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">&nbsp;</span></span><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Atrás quedaron los tiempos en que los venezolanos presumían de sus piezas de porcelana europea, especialmente si eran de Meissen, Lladró o Capodimonte. Ahora esas figuras sólo son criaturas desarraigadas, abandonadas a la caprichosa deriva que imponen el gusto y la necesidad.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Los querubines, damiselas, príncipes, ancianos, bebes y animalitos de porcelana que aparecen en estas fotografías no sólo son “corotos finos”, ungidos por el abolengo de las marcas importadas, sino imágenes de una opulencia venida a menos. Sin embargo, Coll se aproxima a estos objetos como si se tratara de “presencias”, cosas “fuera de lugar” que en algún momento representaron algo para sus dueños pero cuyo sentido se ha vuelto confuso en medio del furor de las ofertas. <o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Marylee Coll</span></b><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"> (Caracas, 1957). Realizó estudios en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas (1982-1985), el Students Art League (Nueva York, 1986) y la Accademia di Belli Arti di Brera (Milán, 1987-1988). Entre sus principales exposiciones individuales se encuentran: “Pinturas” (Sala Mendoza, Caracas, 1990), “Hecho a la medida” (Sala Alternativa, Caracas, 1999), y “Plástica” (Galería La cuadra, Caracas, 2009). Igualmente, ha presentado su obra en numerosas muestras colectivas, destacando la II, III, IV y V Bienal Nacional de Arte de Guayana (Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, 1989, 1991, 1994 y 1997), la V Bienal Christian Dior (Centro Cultural Consolidado, Caracas, 1997) y la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo (ULA, Mérida, 2010). Su trabajo ha sido reconocido con Mención de Honor en el Salón Nacional de Arte de Aragua (Maracay, 1991), el II Premio de la II Bienal Nacional del Paisaje Tabacalera Nacional (Maracay, 1998) y el Premio Harinjs Liepins del 58 Salón de Artes Visuales Arturo Michelena (Ateneo de Valencia, 2000)</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><br /><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-83091378313656395812013-05-27T13:05:00.000-07:002013-05-27T13:06:13.262-07:00Penitenciario de Amada Granado y la fotografía como metaturismo<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-2zsLX5L4350/UaO7zctqzzI/AAAAAAAAAIk/Tr67WHPqkEY/s1600/erikdelbufalo.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="239" src="http://2.bp.blogspot.com/-2zsLX5L4350/UaO7zctqzzI/AAAAAAAAAIk/Tr67WHPqkEY/s320/erikdelbufalo.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Erik del Búfalo en su conferencia en El Anexo&nbsp;</td></tr></tbody></table><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; line-height: 21px; margin-bottom: 21px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;"><b>Texto del filósofo Erik del Búfalo a propósito del trabajo de <a href="http://amadagranado.wordpress.com/2013/05/27/penitenciario-de-amada-granado-y-la-fotografia-como-metaturismo-por-erik-del-bufalo/">Amada Granado</a>: "Penitenciario"</b></div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; line-height: 21px; margin-bottom: 21px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">El ojo demasiado acostumbrando a sus certezas encuentra en la fotografía un arma de doble filo. Por un lado, gracias a ella, puede descubrir lo desconocido en lo muchas veces visto. Por otro, cualquier posible hallazgo puede quedar atrapado en la presencia tranquilizadora del documento, en su pulsión de archivo, en el registro tardío, en su vocación de ruina anticipada. Pero también el ojo entrenado en componer encuadres corre el riesgo de no ver la forma más allá de la imagen, resbalando perpetuamente sobre la patina tecnificada de la hazaña contemplativa. No obstante, más allá de estos peligros, el verdadero escollo de la imagen técnica, en relación a su propio mundo, a sus supuestos referentes, consiste en superar la mirada imaginaria de nuestros prejuicios y nuestras obcecadas percepciones de lo real.</div><a name='more'></a><br /><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; line-height: 21px; margin-bottom: 21px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">La fotografía, como bien lo demostró Susan Sontang, pertenece a la impronta cultural de la clase media. Esta marca es su “surrealismo”, su tendencia a sobrevolar lo real, incluso lo real de sí mismo, como el “turista” que baja al inframundo de las&nbsp; miserias humanas o se asombra de las riquezas de un mundo para él inaccesible. De&nbsp;hecho, más que un turista, el fotógrafo es un “superturista”, un metaturista, un surturista o, en definitiva, un turista del no-lugar, de la distopía, de la ruina de utilería y&nbsp; su “sentimentalismo”. Lo que la fotografía tiende a descubrir es un guión teatral en la propia imagen, sobrepasando cualquier teatralización de los escenarios supuestamente reales, pues se trata del guion de una existencia muy pronto asegurada. Toda fotografía permanece como índice de aquello que ignora el fotógrafo, de aquello que lo asombra, de aquello que lo abisma, sean los ínferos de un mundo marginal, sean los opulentos salones de un mundo inalcanzable. La fotografía es la puesta en escena de una realidad objetivada por un sujeto que se desconoce a sí mismo. Por ello, sin una mente de “clase media”, insiste Sontag, la fotografía sólo tendría un valor instrumental, “científico”, de aparato óptico. La moral de la fotografía, su moral de “aventurismo”, su imperativo de objeto visual, pasa por el impulso manifiesto de registrar por igual las galeras y las galerías del mundo; se trata de la moral de las pequeñas burguesías, la moral surrealista que en el azar objetivo de la toma fotográfica siempre encuentra un valor universal.</div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; line-height: 21px; margin-bottom: 21px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Joan Fontcuberta no duda en señalar que “toda fotografía es una ficción que se presenta como verdadera”; no obstante, en el arte la verdad solamente puede presentarse en su carácter ficcional. Entre el documento y la obra artística, la fotografía vive siempre como contradicción. En el penal de San Antonio de la Isla de Margarita, Amada Granado descubre esta contradicción en la forma de una piscina, de un lugar de esparcimiento temporal, donde se supone debería encontrase un penitenciario. Allí encuentra niños inocentes nadando, jugando y sonriendo donde debería hallarse un desolado patio lleno de presos viciosos. Ello no es una distorsión de la realidad, sino una distorsión de la conciencia y de su ojo, un problema de la fácil sinapsis entre la imagen y el juicio. El ojo de la conciencia es moralista, no ve formas sino principios, cree que la realidad es el reflejo de su padecimiento, el ojo de la aporía fotográfica tiene un iris maquinal que conecta y no juzga, aunque el ojo del fotógrafo sigua siendo un ojo humano, demasiado humano.</div><div style="background-color: white; border: 0px; color: #333333; font-family: 'Helvetica Neue', Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; line-height: 21px; margin-bottom: 21px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Para seguir leyendo: <a href="http://amadagranado.wordpress.com/2013/05/27/penitenciario-de-amada-granado-y-la-fotografia-como-metaturismo-por-erik-del-bufalo/">click aquí</a></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-63403765623301653222013-04-25T12:38:00.002-07:002013-05-03T12:54:09.547-07:00Amada Granado: "Penitenciario"<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-VzIzFT2TSz0/UXmGKqUyefI/AAAAAAAAAHo/aDj0PKBdF_0/s1600/Penitenciario+(imagen+peq.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://3.bp.blogspot.com/-VzIzFT2TSz0/UXmGKqUyefI/AAAAAAAAAHo/aDj0PKBdF_0/s320/Penitenciario+(imagen+peq.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Imagen Amada Granado</td></tr></tbody></table><br /><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES-MX; mso-bidi-font-family: &quot;Times New Roman&quot;; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">El domingo 28 de abril, a partir de las 11 am, El Anexo / Arte Contemporáneo inaugura la muestra “Penitenciario” de Amada Granado (1977), quien presenta una serie de 17 fotografías tamaño postal. El conjunto propone una aproximación irónica a la situación carcelaria en Venezuela,&nbsp; tomando como escenario la piscina de un establecimiento penal. En ese marco, la propuesta de Granado se cirscuncribe a lo que ocurre en el espacio destinado a los encuentros entre familiares y reclusos donde no hay violencia ni armas, sino niños chapoteando en el agua. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><a name='more'></a><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES-MX; mso-bidi-font-family: &quot;Times New Roman&quot;; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En este caso, la imagen es un detonante que une varias contradicciones: el mundo feliz de los bañistas confinados y la sordidez del encierro, la estética del registro turístico y la lógica del documento.&nbsp; En este sentido, la serie “Penitenciario”&nbsp; funciona como acción de <i>infiltración</i>, donde la autora adopta la postura de una turista y también de modelo para obtener una serie de retratos y panorámicas de corte etnográfico, que funcionan como expedientes de un modo de vida donde nadie posa, excepto la propia artista. En realidad, estos registros dicen más de lo que las imágenes parecen mostrar, pues detrás de ese mundo pintoresco y distendido, hay hostilidades, sometimientos y territorios en disputa. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: &quot;Times New Roman&quot;; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Amada Granado </span></b><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: &quot;Times New Roman&quot;; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">vive y trabaja en Caracas. En 2009 presentó la serie&nbsp; “Guaire “ en las galerías Tiendaderecha, Barcelona, España y “Estudio 68”. Ese mismo año fue reconocida con Mención Honorífica en el XII Salón Supercable Jóvenes con FIA, Centro Cultural Corp Banca. Caracas. Entre las principales muestras colectivas en las que ha participado destacan Fotofia 2011 / Expedientes. Parque Cultural La Trinidad (2011)<b>, </b>E•CO (Exposición de colectivos fotográficos euroamericanos), Madrid, España / Sao Paulo, Brasil (2010)&nbsp; y&nbsp; “Simpl3 Chacao” Centro Cultural Chacao, Caracas, 2005.</span><o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-26346814086927750752013-03-03T12:50:00.000-08:002013-05-03T12:54:23.906-07:00Editorial III. Muestra de videos <br /><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-rlPfF9j-nd8/UYQUlGF5v1I/AAAAAAAAAH8/3nklWC0sT6Y/s1600/Still+Beto.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="239" src="http://2.bp.blogspot.com/-rlPfF9j-nd8/UYQUlGF5v1I/AAAAAAAAAH8/3nklWC0sT6Y/s320/Still+Beto.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Nada es definitivo. Las cosas se extinguen con la misma naturalidad que son creadas. De manera que, la existencia transcurre en un duelo permanente pero disimulado. En realidad, la permanencia&nbsp; no es más que una breve eternidad, una duración que tarde o temprano caduca. Fenecen las galaxias y las estrellas que las regentan, así como también lo hacen todas las manifestaciones de lo viviente. Incluso las prácticas vitales, productivas y simbólicas más arraigadas llegan a su fin, siendo reemplazadas por otras no menos finitas. Por ello, para el sujeto común, la relatividad cuántica no es más que una revelación de la asimetría del tiempo, esa bestia indomable gobernada por una causalidad indeterminada y caprichosa.&nbsp; Después de lo inevitable, cumplido el ciclo ininteligible de la existencia, sólo queda la nostalgia (de lo que fue) o la esperanza (de lo que vendrá).</span><br /><a name='more'></a><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"> <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-OQL52e71HYg/UYQUstyN3WI/AAAAAAAAAIE/f_E0MP3bDiA/s1600/Still+Teresa+Mulet.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><img border="0" height="240" src="http://1.bp.blogspot.com/-OQL52e71HYg/UYQUstyN3WI/AAAAAAAAAIE/f_E0MP3bDiA/s320/Still+Teresa+Mulet.JPG" width="320" /></span></a><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Las propuestas videográficas que conforman esta exposición comportan distintas respuestas ante la muerte, sus motivos y consecuencias, abarcando un repertorio diverso que va de lo psíquico a lo antropológico, de lo ético a lo jurídico, de lo físico a lo técnico. En cada caso, la fatalidad es alegorizada con rituales póstumos de lamento, añoranza, resignación o denuncia. Dichas pulsiones&nbsp; se manifiestas en el llanto por encargo de las plañideras en Antonio Briceño, la solemne festividad&nbsp; de un auto funeral en Gabriela Olivo de Alba, la mortal performatividad de un grafitti sicarial en Juan José Olavarría, la ingenua locuacidad de un homicida en Juan Carlos Rodríguez o &nbsp;la lúgubre ironía que acompaña la caducidad de una película fotográfica&nbsp; en Beto Gutiérrez. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Son abras que hablan de un estado <i>post mortem</i>, cuando ya se ha consumado&nbsp; el fin de una persona o cosa, cuando sólo queda la plegaria, la acusación o la confidencia. En tal sentido, el medio videográfico comparte aquella condición “crepuscular “ que caracteriza a la fotografía cuando retiene “fatalmente” una escena. Porque más allá del carácter cinemático de las imágenes videográficas, el registro de lo acontecido queda fuera del tiempo dialéctico, sustraído del devenir y limitándose a la duración convencional que le confiere su pertinencia artística. En definitiva,&nbsp; la imagen en movimiento es un artificio eficaz pero engañoso que intenta dar vida a lo inanimado. La obra es así la remembranza postrera de un ritual que ya expiró.&nbsp; <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">En definitiva, el arte y la muerte&nbsp; mantienen un combate cuerpo a cuerpo, donde cada quien intenta ganarle la partida al tiempo. ¿Qué otra cosa podría justificar&nbsp; los festejos del día de los muertos en la cultura mexicana?&nbsp; ¿Y qué decir de aquellas pinturas colombianas del siglo XIX que solían eternizar la efigie de las monjas después de su fallecimiento? En el caso de las propuestas que comentamos,&nbsp; el video trabaja contra el tiempo, lo fractura, colocando lo acaecido en una temporalidad paralela que intenta detener lo inexorable. Sin embargo, todo lo que se puede conseguir con esta estrategia es una inmortalidad ilusoria que acaba por recordarnos la inescrutable finitud del instante.&nbsp; Queda, si, la semblanza virtual de la experiencia. Esa es la modesta redención a la que pueden aspirar los mortales, reivindicados en el documento de su acción. <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Félix Suazo.</span></div><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Lista de obras <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Juan José Olavarría <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Tu vida no vale una puta mierda (y lo sabes)<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">2010 <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Video acción<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">1´30 <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Antonio Briceño <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Ay, mamita<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">2011<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Video<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">7´05 <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Beto Gutiérrez <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Requiem para un film<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">2005<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="il"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; mso-bidi-font-style: italic; mso-bidi-font-weight: bold;">Gabriela Olivo de Alba <o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><span class="il"><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;; mso-bidi-font-style: italic; mso-bidi-font-weight: bold;">No</span></span><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;; mso-bidi-font-style: italic; mso-bidi-font-weight: bold;"> <span class="il">me</span><span class="il">llores</span> <span class="il">más</span> </span><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;; mso-bidi-font-weight: bold;">(auto funeral duelo celebratorio)<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">2003<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Video <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">13´ <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Teresa Mulet<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">cada- ver- es. cada-vez-más<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">(Memoria Perna)<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Video <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">41´´<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; mso-ansi-language: PT-BR;">Juan Carlos Rodríguez</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; mso-ansi-language: PT-BR;">Guajibiando</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; mso-ansi-language: PT-BR;">2008<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="PT-BR" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; mso-ansi-language: PT-BR;">Video celular <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; mso-ansi-language: ES;">3´19 <o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-35547060474140142112012-10-27T07:16:00.003-07:002013-05-03T12:54:44.350-07:00Sobre El Quinquenio<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" style="margin-left: 0px; margin-right: 0px; text-align: left;"><tbody><tr><td align="center" height="30" valign="middle"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;">EL NACIONAL - <b>Martes</b> 23 de Octubre de 2012</span></td><td align="right"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;">Escenas/2</span></td></tr><tr> <td height="20"></td></tr></tbody></table><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><br /></span> </span></div><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" style="margin-left: 0px; margin-right: 0px; text-align: left;"> <tbody><tr> <td align="left"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><br /></span></td> <td align="right" valign="bottom"><table align="center" bgcolor="FFFFFF" border="0" cellpadding="1" cellspacing="0"><tbody><tr> <td><table bgcolor="#000000" border="0" cellpadding="6" cellspacing="0"> <tbody><tr> <td style="text-align: left;"><span style="font-size: x-small;"><span style="color: white; font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"> <b>ESTO ES LO QUE HAY</b><b>ARTES </b><b>VISUALES</b><br /> </span></span></td> </tr></tbody></table></td></tr></tbody></table><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><br /><b>LORENA </b><b>GONZÁLEZ</b></span></td> </tr><tr> <td colspan="2"><hr size="1" /></td> </tr></tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-bqXeJylwxPU/UIvtYlAZWeI/AAAAAAAAAGw/G_qGaI8KetA/s1600/el+anexo+5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-bqXeJylwxPU/UIvtYlAZWeI/AAAAAAAAAGw/G_qGaI8KetA/s320/el+anexo+5.jpg" width="217" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><br />C<b>uando las deman</b><b>das del día a día </b> <b>superan cualquier </b> <b>posibilidad de </b> <b>análisis de lo que va ocu</b><b>rriendo, solemos no repa</b><b>rar en las resonancias de </b> <b>lo sucedido. Envueltos por </b> <b>la carrera cotidiana su</b><b>cumbimos a la voracidad </b> <b>de un tiempo indomable, </b> <b>atrapados por las centella</b><b>das de una lucha entre los </b> <b>lineamientos de nuestros </b> <b>ideales y las urgencias de la </b> <b>supervivencia en contextos </b> <b>extremos. A veces una sono</b><b>ra insistencia reconduce la </b> <b>armonía de ciertas trochas, </b> <b>sabemos que algo quedará </b> <b>de todo aquello, o por lo me</b><b>nos eso esperamos durante </b> <b>el lapso de una batalla feroz </b> <b>que exige la atención total de </b> <b>todos nuestros sentidos.</b> </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><b>Olvido, eventualidad, des</b><b>conocimiento, apatía, bar</b><b>barie. Inhumanidad de un </b> <b>itinerario que no nos per</b><b>mite mirarnos, espasmos de </b> <b>un estertor que evita el re</b><b>conocernos en la detención </b> <b>saludable de las diferencias </b> <b>encontradas y las distancias </b> <b>comunes. De estos elemen</b><b>tos y de otros desórdenes vi</b><b>gentes estuvo impregnada la </b> <b>voluntad que desde La Caja </b> <b>del Centro Cultural Chacao </b> <b>se propuso alinear esfuerzos </b> <b>para exhibir, hasta el 18 de </b> <b>noviembre, la valiosa pro</b><b>ducción que durante estos </b> <b>cinco años ha llevado ade</b><b>lante El Anexo, uno de los </b> <b>más modestos pero decisi</b><b>vos espacios de investigación </b> <b>del arte contemporáneo que </b> <b>existen en la actualidad.</b></span><br /><a name='more'></a><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"> </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><b>Durante el proceso de mon</b><b>taje varias aristas pusieron </b> <b>en evidencia la sorpresa que </b> <b>brindaba no sólo un espacio </b> <b>museográfico más grande, </b> <b>sino también y con mayor </b> <b>contundencia el necesa</b><b>rio ejercicio de historiogra</b><b>fiar las rutas trazadas por </b> <b>los curadores Félix Suazo </b> <b>y Gerardo Zavarce. Lo que </b> <b>iba apareciendo revelaba lo </b> <b>construido junto con los 21 </b> <b>artistas que los acompañan: </b> <b>un camino consciente y críti</b><b>co sobre un arte que partien</b><b>do de su contexto, así como </b> <b>de los quiebres y vicisitudes </b> <b>que el entramado cultural, </b> <b>político y social ha padecido </b> <b>en este período, se levanta </b> <b>en el espacio para reflexio</b><b>nar y extender las metáforas </b> <b>de un intercambio entre sus </b> <b>intenciones y el afuera. Co</b><b>mo punto crucial destacan </b> <b>las mutaciones formales y </b> <b>los recursos visuales inéditos </b> <b>que en cada una de las obras, </b> <b>a la vez que denotan consi</b><b>deraciones ante una realidad </b> <b>compleja, también desajus</b><b>tan los modos habituales del </b> <b>arte, insertando en la propia </b> <b>metodología la construcción </b> <b>o el ensamblaje material de </b> <b>ese extraño ruido que las so</b><b>licita y las ha hecho posibles.</b> </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: x-small;"><b>Un arte distinto para de</b><b>cir cosas que permanecen </b> <b>ocultas, parecería ser la fra</b><b>se idónea que cruje por to</b><b>do el recorrido. Riesgos de </b> <b>una imagen lejana que se </b> <b>transmuta subterránea</b><b>mente hasta nuestros días, </b> <b>asaltada por sucesos simi</b><b>lares en nuestra historia y </b> <b>evidenciada por dos referen</b><b>cias capitales que encontra</b><b>mos en sala: los testimonios </b> <b>de Claudio Perna en el <i>Arte </i></b> <i><b>en vidriera</b></i> del año 1976 y <b>las repercusiones del pro</b><b>yecto postal <i>La célula</i> que </b> <b>en 1972 selló y distribuyó </b> <b>Diego Barboza. Una acen</b><b>tuada cronología de todas </b> <b>las muestras de El Anexo </b> <b>bordea la parte baja de las </b> <b>paredes, mientras en agu</b><b>do contrapunto el zurcido </b> <b>de esta información se ve </b> <b>reforzado por las noticias </b> <b>del día que irónicamente </b> <b>acompañaron las páginas </b> <b>de nuestra prensa nacio</b><b>nal y que de algún modo </b> <b>entran en relación directa </b> <b>con las propuestas de los </b> <b>artistas. Una exhibición </b> <b>que subsana y recrudece </b> <b>inquietudes urgentes de </b> <b>un país en constante ebu</b><b>llición y que nos recuer</b><b>da, ahora más que nunca, </b> <b>el valor de un arte que no </b> <b>cede frente a las peligro</b><b>sas fachadas de entornos </b> <b>ambiguos, oportunistas y </b> <b>vacilantes.</b></span></div><span style="font-size: small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"> </span></span>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-70419247285451920742012-09-27T13:44:00.000-07:002013-05-03T12:55:05.098-07:00Ana María Mazzei - El Cerco<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-3zbuWOkgoIo/UGS6Z4-_qVI/AAAAAAAAAFQ/suxpo4D9W9w/s1600/ana+mazzei.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="http://3.bp.blogspot.com/-3zbuWOkgoIo/UGS6Z4-_qVI/AAAAAAAAAFQ/suxpo4D9W9w/s1600/ana+mazzei.JPG" width="320" /></a></div><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">“El Cerco”, instalación fotográfica de <b>Ana María Mazzei</b>, se configura a partir</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">de una serie de registros donde lo geométrico y lo espacial juegan un papel</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">determinante. En este sentido, el cerco funciona como demarcación de un</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">vacío. Esa geometría que se constituye en la separación del adentro y el afuera</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">sin inducir a mayores precisiones plantea una doble interrogación acerca de la</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">naturaleza de la percepción, pero también sobre la ubicación del sujeto frente a lo</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">existente. Lo visible (en este caso la cerca) es en realidad un seductor obstáculo</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">que se interpone entre el sujeto y la negrura que lo abruma e interpela.</span><br /><a name='more'></a><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">En las <b>20 fotografías </b>que integran la propuesta, el juego entre naturaleza</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">y geometría - asunto central de su investigación desde que expusiera la</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">serie “Maderas” en la galería Estudio Actual (Caracas, 1978) – adquiere una</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">connotación alegórica referida al encierro. Al menos momentáneamente, su</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">persistente interés en la reflexión ecológica queda sumergido en una atmosfera</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">siniestra que revela un horizonte ambiguo, gobernado por estructuras y sombras.</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Son imágenes en las que se advierte una extraña familiaridad. El espacio se</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">aplana a pesar de los pronunciados escorzos, como si la distancia entre el</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">observador y el motivo se hubiera suprimido, de manera que no hay profundidad</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">sino una superficie rotunda, impenetrable, que bloquea cualquier tentativa de</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">desplazamiento físico (o visual) más allá de los tablones que se interponen</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">entre el ojo y el vacío negro que los enmarca. Paisaje mutilado, sin veredas</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">para recorrer ni árboles para guarnecerse; sólo una secuencia de vistas donde el</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">territorio se presenta apenas como una premonición fragmentaria.</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><b>Mazzei, como gran parte de los representantes de su generación,</b> desafía la</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">estéril genealogía de los opuestos que en el <b>arte venezolano</b> ha enfrentado</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">la abstracción al mundo orgánico, el estudio metódico de las formas y la</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">espontaneidad instintiva. En su caso, esa yuxtaposición de modelos perceptivos,</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">no sólo se reconcilia con las potencialidades plásticas de lo diverso, sino que</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">permite una lectura crítica del contexto (tanto artístico como social) desde la</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">propia micropolítica del signo. Es decir, estas imágenes no se limitan a ser</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">simples ejercicios visuales, pues son la transposición metafórica de una situación</span><br /><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">colectiva que refiere un territorio sitiado y condenado al confinamiento.</span><br /><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://i.ytimg.com/vi/aWpZrSNmfGc/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/aWpZrSNmfGc?version=3&f=user_uploads&c=google-webdrive-0&app=youtube_gdata" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" 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src="http://4.bp.blogspot.com/-v0CSFCvdfqQ/UGS65XGkl0I/AAAAAAAAAFY/pd2322paglY/s1600/imagen+facebook.jpg" width="320" /></span></a></div><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><span style="font-size: small;"><br /></span><span style="font-size: small;">El próximo viernes 28 de septiembre inauguraremos en <b>La Caja del Centro Cultural Chacao </b>una muestra que hemos denominado "El Quinquenio".</span></span><br /><a href="http://1.bp.blogspot.com/-Q_19yedAxE0/UGMVNSNBuXI/AAAAAAAAAFA/ho4MrbSvJmw/s1600/ELQUINQUENIO_ELANEXO_invitacion+final.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: small;">Esta colectiva - primera muestra fuera de nuestro espacio- reúne a <b>21 artistas </b>que han expuesto en El Anexo durante este lustro.</span><br /><!--[if gte mso 9]><xml> <w:WordDocument> <w:View>Normal</w:View> <w:Zoom>0</w:Zoom> <w:TrackMoves/> <w:TrackFormatting/> 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<i>medios</i>, la idea del <i>territorio</i> y la relación entre <i>memoria y archivo</i>.&nbsp;</span></span></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; line-height: 115%;">En tal sentido, <span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">esta <b>no será una retrospectiva </b>de <b>El Anexo / Arte Contemporáneo</b></span><b> </b>sino la oportunidad para mostrar una rearticulación crítica de los presupuestos conceptuales que nos definen como proyecto cultural. </span></span></div><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; line-height: 115%;">Están todos invitados.&nbsp;</span></span></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><b><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Lugar: Centro Cultural Chacao. Av. Tamanaco, El Rosal&nbsp; </span></b></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><b><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Inauguración: 28 de septiembre / 7:00 PM</span></b></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><b><span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Clausura:&nbsp; 04 de noviembre 2012.</span></b></div><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-17230908557006315952012-07-08T17:29:00.001-07:002012-07-08T18:01:06.070-07:00El país cabe en una torre<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-sv53xeYNEVE/T_okdeFKi3I/AAAAAAAAAEE/8sv-rsBM1B8/s1600/P1070746.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="http://1.bp.blogspot.com/-Jw5OQQf7TBQ/T_oj6hqYEtI/AAAAAAAAAD8/N5mBuIeUb5A/s320/P1070741.JPG" width="320" /></a><span class="bold color0e4d"><i>Estuvimos en la FIA 2012 (Feria Iberoamericana de Arte de Caracas) con una muestra dedicada al proyecto La Torre de David. Aquí les dejamos una entrevista realizada a los artistas alrededor de este trabajo.&nbsp;</i>&nbsp;</span></div><br /><br /><b>Daniel Fermín -<a href="http://www.eluniversal.com/que-hay/120708/el-pais-cabe-en-una-torre"> El Universal</a></b><br /><div class="MT10 PB10 txt69 PL5 PT10"><div class="color000 PT10"><b>Domingo 8 de julio de 2012<span class="colorC90 bold">&nbsp; </span></b></div></div>Ángela Bonadies y Juan José Olavarría no olvidan la primera vez que entraron (a finales de 2010) a La Torre de David: panaderías, bodegas, guarderías, salón de videojuegos. Un gran barrio extendido en vertical, a 195 metros de altura, que hoy está convertido en una especie de atracción temática para el resto de la sociedad. Los artistas venezolanos -ella de Caracas, él de Valencia- documentaron la edificación, que está invadida desde hace cinco años, en un proyecto que ya han expuesto en siete países. <br /><a name='more'></a><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-sv53xeYNEVE/T_okdeFKi3I/AAAAAAAAAEE/8sv-rsBM1B8/s1600/P1070746.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="http://2.bp.blogspot.com/-sv53xeYNEVE/T_okdeFKi3I/AAAAAAAAAEE/8sv-rsBM1B8/s320/P1070746.JPG" width="320" /></a></div>Los creadores recorrieron toda la estructura antes del boom mediático que trajo a la <i>BBC</i> o al <i>The New York Times</i>. Saben que en el piso 20 se vende pollo, por ejemplo, o que en el 12 se cuidan niños. También que uno de los peluqueros más conocidos de Caracas, según Olavarría, tiene ahí uno de sus negocios. "Creo que ese es el mejor corte que me han hecho en toda mi vida", dijo el artista, que se ve retratado en una fotografía bajo las tijeras del barbero. Que la ocupación, en la que viven unas tres mil personas, se rige por un organigrama de mandato similar al de las cárceles. Pruebas de que lo que sería el Centro Financiero Confinanzas es una maqueta de Venezuela a pequeña escala. <br /><br />La propuesta artística -que tiene imágenes, dibujos, textos, documentos históricos- también es una crítica social. Arte de denuncia, le llaman. "Lo que nosotros hacemos es una especie de diagnóstico. Por un lado humano; por otro, histórico. Esos son nuestros intereses. Llamar la atención, a través del arte, sobre temas que están ocurriendo, que son además de dominio colectivo. Se habla de espacios públicos, privados; de legalidad, ilegalidad. Hay una serie de conceptos y planteamientos del trabajo que va más allá del tema artístico", explicó Bonadies. "Uno hace visible ese problema, mas no está en nuestras posibilidades resolverlo", agregó su colega. <br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>Los dos artistas trabajan en equipo. También en las entrevistas: uno responde primero, el otro lo complementa. Ambos creen que La Torre de David no sólo refleja la actualidad nacional, también parte de su historia. "Hay 30 años en ella: el boom económico de los 80 pretendió construir un bulevar financiero en la zona. Luego vino la crisis bancaria del 94, quebró el grupo que encabezaba David Brillembourg; se paralizó la obra, pasó a manos del Estado. Quedó en el olvido. Surgió la crisis habitacional, se legalizó la invasión a través de una cooperativa. Y empezó a aparecer una nueva topografía", recordó Olavarría. "Es como si la torre fuera una serie de capas por quinquenio, construidas sobre ruinas. Ruinas sobre ruinas", dijo su compañera. <br /><br />Aquellas visitas iniciales cambiaron el curso del proyecto, que venía de afuera hacia adentro. Compartir con los que ahí habitan, recorrer sus pasillos, cada uno decorado como si fuera un universo propio, influyó en los artistas. "Lo primero que vimos al entrar es que había desaparecido la torre. Adentro es un barrio particular. Ya no nos interesó esa imagen del afuera, sino tratar de comprender la situación de tener que ocupar espacios por necesidad. Tampoco es un análisis sicológico. Más bien es ver cómo la torre nos enseña lo que sucede en la ciudad", explicó Ovalaría, que viene de exponer <i>Mata que Dios perdona</i>. <br /><br />Los últimos sucesos -el allanamiento policial por el secuestro del agregado comercial de Costa Rica, por ejemplo- renovó el interés de los medios. Siempre con un toque sensacionalista, aseguran los artistas. La sociedad odia a los invasores, el Gobierno no sabe qué hacer con ellos. Ante eso, el proyecto también intenta humanizar el hecho. "Quisimos plantearlo como un problema de todos. No de arquitectos, artistas, urbanistas, sociólogos o antropólogos. Sino un problema que requiere atención. No todo el mundo es bueno ni todo el mundo es malo. Esa es una comunidad como cualquier otra. Hay alguien que se estaciona mal, otro que lo hace bien", dijo Bonadies, que ganó el premio latinoamericano de fotografía Josune Dorronsoro de 2004. <br /><br />El caso Confinanzas no es el único que existe en Venezuela. Bonadies y Olavarría lo saben. Tanto, que ya trabajan en <i>Así es Caracas</i>, una cartografía que señala todas las invasiones de la ciudad, que son más de 200. Que el tema va más allá, dicen, que esa invasión es un pedazo de un rompecabezas infinito. Y esa pieza de Venezuela ya se ha visto en Nueva York, Madrid, Río de Janeiro, Dubai, Caracas, Monterrey y Guimaraes. Instalaciones en una, dibujos o maquetas en otra. <i>La Torre</i>, la exposición, varía en cada ciudad donde se monta. Como si fuera la misma edificación. Ahora, planean una muestra en el país con toda la documentación que tienen. Sería en 2013. <br /><br />Esa futura exposición cerraría el ciclo del proyecto, que también se exhibió en la pasada Feria Iberoamericana de Arte. Atrás quedarían más de dos años de trabajo, tres días de visitas al edificio, charlas o entrevistas. Aún hoy, alguien les escribe para que lo ayuden a entrar en el conjunto, que está más cerrado que antes. "Nos pareció correcto tomar distancia. Tuvimos propuestas de gente que quería venir para que sirviéramos de puente. Fue cuando decidimos no hacerlo porque no funcionamos como una agencia de turismo o como si vendiéramos entradas", concluyó Bonadies. Otro ejemplo de que el país cabe en una torre. Por fuera y por dentro.<br /><br />Más sobre este proyecto: <a href="http://latorrededavid.blogspot.com/">http://latorrededavid.blogspot.com/</a><br /><br /><object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://i.ytimg.com/vi/OiKYg3_TOF4/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/OiKYg3_TOF4?version=3&f=user_uploads&c=google-webdrive-0&app=youtube_gdata" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/OiKYg3_TOF4?version=3&f=user_uploads&c=google-webdrive-0&app=youtube_gdata" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-86554117602916377822012-05-31T12:22:00.002-07:002012-05-31T12:22:53.748-07:00David Palacios. Art Report<br /><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-iiN2U0822Z4/T8fEhovVevI/AAAAAAAAADo/X7GeaHb2Bjg/s1600/Foto-2.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-iiN2U0822Z4/T8fEhovVevI/AAAAAAAAADo/X7GeaHb2Bjg/s200/Foto-2.JPG" width="177" /></a></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span lang="ES" style="color: #1d1b11;">La </span><span style="color: #1d1b11;">exposición </span><b>Art Report</b><span style="color: #1d1b11;">de David Palacios (La Habana, 1967), </span>reúne una serie de obras que el artista viene desarrollando desde 2007, fecha en que fija su residencia en la ciudad de Londres, centrándose en la yuxtaposición de los códigos del arte y el discurso estadístico. Esta idea ya estaba presente la muestra “Infografías” (Galería Alternativa, Caracas, 2004) en la cual se confrontaban lo óptico y lo informativo, a propósito de los reportes acerca de la situación los derechos humanos en el país. También conectado a esta indagación está el proyecto “Nosotros / Los otros” (Periférico Caracas / Arte Contemporáneo, 2007) donde el tópico central era el sistema del arte latinoamericano frente a una catalogación que recogía distintos ámbitos de la población, economía y cultura del continente.</span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-0tpzcy1H0t8/T8fEUS-aNbI/AAAAAAAAADg/rps1Zxr_KWc/s1600/Foto-1.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-0tpzcy1H0t8/T8fEUS-aNbI/AAAAAAAAADg/rps1Zxr_KWc/s200/Foto-1.JPG" width="177" /></a><i>Statistically Speaking</i>, serie realizada en impresión digital sobre láminas de pvc,&nbsp; plantea una mirada crítica a los modelos de representación, utilizando como plataforma visual el género de la naturaleza muerta y tomando como referente algunos temas de la agenda global como el gasto armamentista en las naciones desarrolladas, los índices de pobreza en África y Latinoamérica, la crisis alimentaria y el mercado petrolero, entre otros temas. Allí conviven las frutas, los paños y los objetos cual si se tratara de bodegones inocuos, junto a la rigidez funcional de cifras, barras, flechas y demás elementos infográficos. A partir de allí, se genera una fuerte&nbsp; disyunción entre lo que se muestra como obra y los datos insertos en la estructura reticulada que lo contiene. </span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">El efecto paródico de esta operación se torna aún más enfático y desconcertante en el video <i>Commercial Lending: Problem Area for Banks?De la serie Video Graphic (Nº 1) </i>donde se produce una conjunción arrítmica entre la compleja jerga de los analistas económicos, la vertiginosidad de los subtítulos y la animación ralentizada de las imágenes, a propósito de la crisis de los mercados financieros.&nbsp; Entre tanto, el aura del arte ofrece al observador un escenario hipnótico, estable ante lo contingente, acaso un señuelo para atrapar la mirada indiferente.&nbsp; </span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; margin-bottom: 0.0001pt;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En <i>Pop up</i><b>, </b>instalación elaborada a partir de tres catálogos de la casa de subastas Cristie`s dedicados al arte de postguerra y contemporáneo, el eje de la propuesta se desplaza hacia el ámbito noticioso, en cuyo caso la iconografía artística es utilizada para ilustrar noticias sensacionalistas y escándalos de orden político y social. En este caso, la retórica del discurso visual contribuye al ocultamiento deliberado del aparato especulativo del mercado. Sujetas a una estructura rígida de madera dispuesta a manera de un bastidor, las páginas de los catálogos se despliegan dejando ver retratos, desnudos y naturalezas muertas rubricadas por algunos de los artistas más cotizados del planeta entre los que destacan Roy Lichenstein, Andy Warhol y Lucian Freud.&nbsp;</span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br /></div><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">En<b> Art Report</b> la obra se constituye en soporte informativo de acontecimientos sociales, políticos o económicos; pero también en un recurso autorreflexivo acerca de los límites de la representación. La imagen tiene una función contradictoria, operando simultáneamente como dispositivo de seducción y como medio de enmascaramiento que deja al descubierto&nbsp; la opacidad del mundo. Queda abierta la pregunta de si el arte puede (o debe) ser un vehículo para interpelar o documentar&nbsp; lo real.</span></span>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-23112833617227872432012-03-04T09:06:00.002-08:002012-03-25T15:44:01.701-07:00“Editorial II. Muestra de videos”<span style="background-color: white; color: grey; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;">&nbsp;“Editorial II. Muestra de videos” reúne el trabajo de cinco artistas que revisan críticamente la iconografía épica en Latinoamérica, centrándose fundamentalmente en los emblemas patrios y la figura de los próceres de la independencia. El colombiano Carlos Castro, el mexicano Miguel Rodríguez Sepúlveda y los venezolanos Iván Candeo, Déborah&nbsp; Castillo y Juan José Olavarría utilizan el medio videográfico de manera preponderante en sus respectivas investigaciones. Las obras, fechadas entre 2007 y 2010,&nbsp; recogen el desgaste (tanto simbólico como material) de la narrativa heroica, mostrándola como un ritual desencantado, cuya reiteración y omnipresencia&nbsp; va acompañada&nbsp;&nbsp; de un proceso de vaciamiento de su sentido.&nbsp;&nbsp;</span><br /><br /><div align="center" style="background-color: white; font-family: Arial, Geneva, sans-serif; font-size: 13px;"><div style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img height="150" src="http://traficovisual.com/images/Carlos%20Castro%20El%20que%20no%20sufre%20no%20vive%202.jpg" style="height: 420px; width: 558px;" width="200" /></div><br /><br /><br /><span style="font-size: xx-small;">&nbsp;cortesiAnexo.&nbsp;<i>Lamezuela</i>. Deborah Castillo<br /><br /></span></div><span style="background-color: white; color: grey; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;">En todos los casos, se trata de video creaciones directamente enmarcadas en contextos de producción y recepción donde los asuntos tratados son claramente legibles. Débora Castillo aborda críticamente el comportamiento adulatorio de algunos sectores frente al estamento militar. Juan José Olavarría nos devuelve la imagen fundacional del emblema patrio como un estereotipo reproductible mecánicamente. Carlos Castro hace de la estatua de Simón Bolívar un ícono indefenso ante la rapacidad de las palomas. De manera similar, Iván Candeo presenta una reproducción de la imagen de Francisco de&nbsp; Miranda en la Carraca, lugar de confinamiento donde también encontró la muerte el precursor de la independencia,&nbsp; bajo el asedio voraz de las&nbsp; ratas. Finalmente, en el trabajo de&nbsp; Miguel Rodríguez Sepúlveda la transpiración de los ejecutantes va borrando de sus cuerpos los rostros dibujados de Simón Bolívar, José Gregorio Hernández, el Cacique Guaicaipuro, María Lionza y otras figuras distintivas&nbsp; de la cultura local.&nbsp;</span><br /><br /><br /><div align="center" style="background-color: white; font-family: Arial, Geneva, sans-serif; font-size: 13px;"><div style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img height="181" src="http://traficovisual.com/images/Juan%20Jose%20Olavarria%20Taga%20Bandera%20madre2b.jpg" width="320" /></div><span style="font-size: xx-small;">Imagen cortesia El Anexo.&nbsp;<i>Taga Bandera madre</i>. Juan José Olavarría</span></div><div align="center" style="background-color: white; font-family: Arial, Geneva, sans-serif; font-size: 13px;"><br /></div><span style="background-color: white; color: grey; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;">Si, como señala el historiador Tomás Straka,&nbsp; nuestros antepasados se refugiaron en el honorable y ejemplar legado&nbsp; de los héroes y los símbolos para contrarrestar las carencias de las repúblicas inconclusas<b><span style="font-size: xx-small;">1</span></b>, las obras de estos creadores encarnan un presente desencantado donde los caudillos ya no son como dioses redentores. No hay aquí la gallarda avanzada de las huestes libertadoras ni la solemnidad de los festejos militares que gustaban pintar Martín Tovar y Tovar, Arturo Michelena y Tito Salas. Tampoco aparecen&nbsp; los ademanes pomposos de la retórica oficial diseñada para ocultar las calamidades del presente detrás de las glorias&nbsp; del pasado. Todo&nbsp; lo que hay son imágenes de una historia estereotipada, sometida al escarnio del tiempo. Afiches y estatuas devenidas en alimento de roedores y aves; botas lustradas con saliva, falsos tatuajes y banderas de un ideal olvidado. Sólo son restos sin sustancia, vestigios de un mito que se desvanece.</span><br /><br /><div align="center" style="background-color: white; font-family: Arial, Geneva, sans-serif; font-size: 13px;"><div style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img src="http://traficovisual.com/images/Miguel%20Rodriguez%20Sepulveda%20emergia%20caracas2.jpg" style="height: 311px; width: 553px;" /></div><div style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><br /></div><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-size: xx-small;">&nbsp;</span><span style="background-color: white; color: grey; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;">&nbsp;</span><br /><br /><span style="background-color: white; color: grey; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;">Los trabajos videográficos reunidos en esta exposición revisan el pasado sin nostalgia ni resentimiento. Su intención no es juzgar o enaltecer el relato épico, sino desenmascarar el mecanismo de reproducción cíclica que genera su perpetuidad ilusoria. En realidad, nada ha cambiado. La historia sigue girando en torno a la fijeza de las imágenes, aunque los nuevos&nbsp; flujos de sensibilidad ya no sean tan permeables a su hechizo.&nbsp; Sin embargo, la iconoclasia no es un antídoto seguro para tratar con la idolatría, sobre todo cuando se entiende que la imaginería épica asienta gran parte de su sentido y efectividad en la naturaleza y uso de los medios empleados.&nbsp;</span></div><br /><span style="background-color: white; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;">________________________</span><br /><span style="background-color: white; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: xx-small; text-align: left;"><span style="color: grey;">[1] Straka, Tomás. La épica del desencanto. Editorial Alfa. Caracas, 2009&nbsp;</span></span><br /><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><object width="320" height="266" class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://2.gvt0.com/vi/hVctoezIkkY/0.jpg"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/hVctoezIkkY&fs=1&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/hVctoezIkkY&fs=1&source=uds" type="application/x-shockwave-flash"></embed></object></div><span style="background-color: white; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: xx-small; text-align: left;"><span style="color: grey;"><br /></span></span><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><object width="320" height="266" class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://2.gvt0.com/vi/6o3KPAy2A1o/0.jpg"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/6o3KPAy2A1o&fs=1&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/6o3KPAy2A1o&fs=1&source=uds" type="application/x-shockwave-flash"></embed></object></div><span style="background-color: white; font-family: Arial,Geneva,sans-serif; font-size: xx-small; text-align: left;"><span style="color: grey;"><br /></span></span>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-2336262370093460002012-02-08T13:21:00.000-08:002012-02-08T13:38:53.798-08:00"La intolerancia ha generado procesos de `guetificación"<h6 class="uiStreamMessage" data-ft="{&quot;type&quot;:1}" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="messageBody" data-ft="{&quot;type&quot;:3}">Entrevista publicada en el diario El Nacional del&nbsp; 06/02/2012</span></span></h6><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-spYDcJQPdvE/TzLnJ6n5wOI/AAAAAAAAACw/1Gyoj6ESYd0/s1600/felix.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="273" src="http://4.bp.blogspot.com/-spYDcJQPdvE/TzLnJ6n5wOI/AAAAAAAAACw/1Gyoj6ESYd0/s320/felix.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">F'élix Suazo. (foto tomada de El Nacional)</td></tr></tbody></table><h6 class="uiStreamMessage" data-ft="{&quot;type&quot;:1}" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="messageBody" data-ft="{&quot;type&quot;:3}">El foro del lunes<br />FÉLIX SUAZO El investigador asegura que los artistas han creado nuevas bases.</span></span></h6><div style="text-align: right;"><span style="font-size: small;"><span class="messageBody" data-ft="{&quot;type&quot;:3}">Carmen Victoria Méndez</span></span></div><h6 class="uiStreamMessage" data-ft="{&quot;type&quot;:1}" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="messageBody" data-ft="{&quot;type&quot;:3}"> <br />El director de El Anexo indica que el trabajo del circuito independiente del arte es titánico, y considera que la sociedad exige demasiado de un movimiento que ha tenido que reinventarse.</span></span></h6><h6 class="uiStreamMessage" data-ft="{&quot;type&quot;:1}" style="text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="st6413">H </span><span class="st2">ace cinco años que el investigador Félix Suazo decidió, junto con un grupo de amigos, abrir las puertas de sus casas para mostrar arte. Lo hizo sin expectativas comerciales, más bien para contribuir con el estudio de ciertas tendencias del arte venezolano, surgidas en los años setenta y ochenta, con las que la historiografía nacional tiene una deuda. <br /><br />Así nació El Anexo, un lugar que aborda a la generación de Claudio Perna, Eugenio Espinoza, Héctor Fuenmayor, Antonieta Sosa y Diego Barboza, entre otros, pero también al arte contemporáneo. <br /><br />"No es que estemos aferrados a una visión nostálgica de un pasado sino que creemos que gran parte de las producciones y experiencias que se nos presentan en la escena artística actual tendrían una explicación originaria justamente en estas proposiciones. Se trata fundamentalmente de mostrar y de reflexionar sobre lo mostrado", señala el también coordinador de Periférico Caracas. <br /><br /><b>­¿Cómo ha sobrevivido El </b> <b>Anexo, que funciona en un </b> <b>espacio doméstico, cuando </b> <b>hay lugares respaldados por </b> <b>instituciones y mercados </b> <b>que han desaparecido?</b> ­Lo que pasa con El Anexo es que es un proyecto hecho desde el cuerpo y con el cuerpo. No surge pensando en los recursos que se tienen o en los que se podrían obtener a futuro, sino pensando en el capital intelectual y en los modestos recursos materiales que teníamos como equipo Nancy Farfán, Gerardo Zavarce, Zinnia Martínez y yo. Por supuesto, con el apoyo incondicional de unos cuantos artistas, entre ellos David Palacios, Juan Carlos Rodríguez, Juan José Olavarría, Deborah Castillo y Argelia Bravo, y otros que nos han ayudado en diversos aspectos que son necesarios no solamente para concebir una exposición y ponerla en escena, sino también para conceptualizarla, discutirla y profundizarla. Como surge desde el cuerpo simplemente va creciendo y avanzando con nosotros. También hemos tenido una gran receptividad de los medios y de otros colegas del campo que muy respetuosamente nos han apoyado con su complicidad, indicaciones y sugerencias. <br /><br /><b>­Pareciera que toda la es</b><b>cena contemporánea des</b><b>cansa sobre el circuito in</b><b>dependiente. ¿No es algo </b> <b>desproporcionado?</b> ­El trabajo del circuito independiente es titánico. Se basa en la iniciativa y en la convicción de quienes lo hacen más que en la potencialidad y oportunidades reales que existen. Estamos en un país que lleva varios años de control de cambio, lo cual incide en la circulación de las obras y en el desplazamiento de muchos de los artistas que tratan de movilizar sus instituciones y propuestas. <br /><br />Ellos están asumiendo políticas de responsabilidad social a cuenta y riesgo propio. <br /><br />Los instrumentos jurídicos de responsabilidad social no ofrecen suficientes beneficios ni ventajas al sector artístico y eso hace que el trabajo de estas instituciones sea forzado. Además, la intolerancia ha generado procesos de `guetificación’ y `autoguetificación’ injustificados. <br /><br /><b>­¿Se trata de un problema </b> <b>institucional o creativo?</b> ­La cultura es justamente el encadenamiento de los elementos y rituales que se tejen en torno a sus instituciones y, por supuesto, a sus prácticas. <br /><br />La obra de arte está directamente relacionada con una institucionalidad activa pero fracturada, que uno no puede decir que ha sido inexistente pero que en muchos aspectos ha dado la espalda a un horizonte importante de esas creaciones. Hablo tanto de instituciones oficiales como de instituciones privadas. <br /><br />En ellas los creadores hacen gran parte de su trabajo con sus propias energías y fuerzas, hasta donde pueden. <br /><br />Entonces tenemos un panorama artístico en el que unos medios se han impuesto sobre los otros, especialmente el fotográfico y el audiovisual, y en el que hay una cierta inclinación hacia los lenguajes que depositan gran parte de su legitimidad y efectividad en la conceptualización. Por otro lado, hay una serie de producciones vinculadas con los medios tradicionales con incidencias de las prácticas artesanales o de la decoración en el espacio del arte. <br /><br />¿Qué tenemos entonces? Una aparente normalidad, que es lo que la gente lee o interpreta como un agotamiento o como la ausencia de un punto de quiebre con respecto a lo que se ha hecho anteriormente. <br /><br /><b>­Algunos críticos señalan </b> <b>que la escena está estanca</b><b>da, que es reiterativa, que la </b> <b>proliferación de las colecti</b><b>vas no es un buen síntoma.</b> <br /><br />­Hoy estamos hablando de lo que creemos que está sucediendo con el arte y no lo estamos viendo en su devenir, en una década en la que el movimiento artístico local se ha tenido que reinventar, ha tenido que crear nuevas bases en un siglo emergente también y en un país que ha sufrido modificaciones traumáticas, que ha tenido que abrirse hacia otras formas de institucionalidad, más independientes. Quizás le estamos pidiendo demasiado al movimiento artístico, que ha tenido que reposicionarse, ganar otros espacios, que en parte le fueron negados por la institucionalidad oficial ­por aquellas directrices de que no se hacían individuales o de que todas las exposiciones debían tener algún tipo de interés o sesgo ideológico­.Creo que vivimos en una sociedad fatigada, que se acostumbró a la dinámica de la producción, de la inmediatez y de la novedad y que está pidiéndole al arte más esfuerzos de los que ya está haciendo. Si uno lo ve desde el punto de vista de qué hay de nuevo desde el año pasado, evidentemente no mucho. Pero si uno lo ve como la culminación de un proceso de reinvención, creo que estaríamos en un punto de inflexión hacia una visión autocrítica. Hay que ver esa crisis de cara a las expectativas de la sociedad y lo que ésta pide. Algunos solicitan entretenimiento, otros reflexión crítica y unos lo más excelso y puro. Del otro lado están los propios productores del arte y los circuitos de distribución artística, que tienen que ver qué es lo que le están ofreciendo. </span></span><span class="messageBody" data-ft="{&quot;type&quot;:3}"> </span></h6>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-67026105515708119302012-01-11T13:56:00.000-08:002012-03-20T16:34:52.033-07:00Ivan Amaya: Videoentrevista<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://2.gvt0.com/vi/xMOfBV_QmII/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/xMOfBV_QmII&fs=1&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/xMOfBV_QmII&fs=1&source=uds" type="application/x-shockwave-flash"></embed></object></div><br />Ivan Amaya nos habla de la muestra fotográfica "Ciudades de arriba". Individual del artista presentada en nuestro espacio durante los meses de diciembre 2011 y enero 2012.El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-80477607850897016422011-12-14T07:27:00.000-08:002012-10-03T07:34:37.514-07:00El Anexo estuvo en Art Basel Miami 2011<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-3ejyBuXrRRc/UGxLBHrExoI/AAAAAAAAAGY/IjiqWks4ETo/s1600/miamiartbasel1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="219" src="http://4.bp.blogspot.com/-3ejyBuXrRRc/UGxLBHrExoI/AAAAAAAAAGY/IjiqWks4ETo/s320/miamiartbasel1.jpg" width="320" /></a></div><span style="text-align: justify;">Este año por primera vez representantes de El Anexo/Arte Contemporáneo visitamos&nbsp;<a href="http://miamibeach.artbasel.com/">Art Basel Miami Beach</a>, con la idea de conocer esta vitrina del arte contemporáneo actual y acercarnos a las tendencias, artistas y galerúas que allí se hacen presentes.&nbsp;</span><br /><span style="text-align: justify;">Coincidiendo con la celebración de los diez años de la feria, uno de los encuentros más gratos, como venezolana, fue la conversación que tuvimos durante unos minutos&nbsp; con nuestro gran artista Carlos Cruz-Diez quien participó con una intervención del paso peatonal frente a la sede principal de esta feria.</span><br /><span style="text-align: justify;">Creo que es muy importante su presencia en la feria pues contribuye a que su obra traspase las fronteras de nuestro país y este es uno de los mejores escenarios para que así sea. La feria se desarrolla en un lugar muy accesible y hay &nbsp;una integración en toda la ciudad, donde se celebran muchos eventos todos relacionados con la feria de Art Basel, que sería como el centro de todas las actividades. Las galerías están dispuestas a recibir al visitante aunque no estén dentro de la feria, diría que es una fiesta para Miami Beach.</span><br /><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-VE"></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-_a7A_KBr4vM/UGxKnqwKymI/AAAAAAAAAGQ/fn653d9Y5TM/s1600/Paulo+Nazareth_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="http://3.bp.blogspot.com/-_a7A_KBr4vM/UGxKnqwKymI/AAAAAAAAAGQ/fn653d9Y5TM/s320/Paulo+Nazareth_01.jpg" width="320" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX">El programa de la feria abarca una gran cantidad de galerías de todo el mundo, incluyendo muchas latinoamericanas que presentan, algunas &nbsp;con mucho cuidado en cuanto a la calidad de las obras y artistas presentados y otras me parecieron un lugar común. Poquísima o ninguna presencia de las galerías nacionales, no así de obras de venezolanos, pues pude ver obras del mencionado Cruz-Diez, así como de Jesús Soto. Entre las obras destacaba no solo por el olor sino por el colorido y el espacio tomado la de brasilero Paolo Nazareth, con un carro lleno o mejor atiborrado de cambures que salían por las ventanas, muy pintoresco como sí se tratase de los camiones que llaman a las personas para que compre&nbsp; plátanos o cambures.</span><span lang="ES-VE"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-v5YYcfBapEI/UGxKS07S5wI/AAAAAAAAAGI/PD3xzXrS5_I/s1600/weiwei.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="212" src="http://4.bp.blogspot.com/-v5YYcfBapEI/UGxKS07S5wI/AAAAAAAAAGI/PD3xzXrS5_I/s320/weiwei.jpg" width="320" /></a><span lang="ES-MX">Otro artista que no quiero dejar de mencionar es el artista chino Ai Weiwei, desde que entre en el pasillo pude ver su obra “Árbol”, la cual toma mayor relevancia por su situación personal de perseguido del gobierno chino. </span><span lang="ES-VE"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX">Y por supuesto siempre es muy confortante ver las obras de los grandes maestros universales Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Andy Warhol, Joan Miró, entre otros. Eran alrededor de 300 galerías y 2000 artistas.</span><span lang="ES-VE"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX">La fotografía de gran formato se convirtió en la gran protagonista de la feria, sobre todo la de los artistas chinos.</span><span lang="ES-VE"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX">En general la presencia de videos y todo lo referente al arte multimedia no tuve el tiempo suficiente para dar una opinión objetiva, pero prometo para el año que viene sí dedicarle un poco más, aunque creo que no era para nada la atracción de la feria.</span><span lang="ES-VE"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX">Nancy Farfán</span><span lang="ES-VE"></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-MX">Miami Beach, 2011</span></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-40335187542982604252011-11-15T08:47:00.000-08:002011-11-15T08:47:32.462-08:00Ivan Amaya inaugura "Ciudades de arriba"<!--[if gte mso 9]><xml> <w:WordDocument> <w:View>Normal</w:View> <w:Zoom>0</w:Zoom> <w:TrackMoves/> <w:TrackFormatting/> <w:HyphenationZone>21</w:HyphenationZone> <w:PunctuationKerning/> <w:ValidateAgainstSchemas/> <w:SaveIfXMLInvalid>false</w:SaveIfXMLInvalid> <w:IgnoreMixedContent>false</w:IgnoreMixedContent> <w:AlwaysShowPlaceholderText>false</w:AlwaysShowPlaceholderText> <w:DoNotPromoteQF/> <w:LidThemeOther>ES-VE</w:LidThemeOther> <w:LidThemeAsian>X-NONE</w:LidThemeAsian> <w:LidThemeComplexScript>X-NONE</w:LidThemeComplexScript> <w:Compatibility> <w:BreakWrappedTables/> <w:SnapToGridInCell/> <w:WrapTextWithPunct/> <w:UseAsianBreakRules/> <w:DontGrowAutofit/> <w:SplitPgBreakAndParaMark/> <w:DontVertAlignCellWithSp/> 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src="http://4.bp.blogspot.com/-phIoiHnHL5Y/TsKXkGoOnFI/AAAAAAAAABQ/3JmJJYS6Fjo/s320/16RanchoExterno+%2528mini%2529.jpg" width="320" /></a></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="color: #1d1b11; font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;; mso-ansi-language: ES;">El próximo domingo 20 de noviembre el espacio <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">El Anexo / Arte Contemporáneo</b> de San Bernardino, inaugura la </span><span style="color: #1d1b11; font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;">exposición <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">“</b></span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;">Ciudades de arriba<span style="color: #1d1b11;">”</span></span></b><span style="color: #1d1b11; font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;">, primera individual<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>de Iván Amaya<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">. </b>La muestra, compuesta por 40 piezas fotográficas, <span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;</span>propone un registro sistemático y exhaustivo de la arquitectura informal de los cerros capitalinos y otras localidades del país donde el ingenio constructivo funciona como paliativo frente a las necesidades de vivienda de los sectores populares.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="color: #1d1b11; font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;">Más allá de su precaria apariencia, estas edificaciones configuran modos alternos de construir y habitar la ciudad contemporánea en medio de una realidad saturada de contrastes, al tiempo que delinean una estética de lo fragmentario, basada en la combinación de materiales recuperados de diferente consistencia como cartón, plástico, madera, anime y zinc, entre otros . <span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;</span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="color: #1d1b11; font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;">En tal sentido, “Ciudades de arriba” se coloca en un intersticio paradójico donde conviven la austeridad material y el sentido estético. El conjunto se organiza a partir de tres ejes de interés que reseñan visualmente los espacios exteriores (fachadas), el ámbito interno (dormitorios, cocinas, salas) y diversos detalles. En ellos la elocuencia gráfica se impone sobre los aspectos narrativos, caracterizándose por su neutralidad subjetiva y metódica ortogonalidad. <span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;</span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="mso-layout-grid-align: none; tab-stops: list 32.2pt; text-align: justify; text-autospace: none;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;">Iván Amaya </span></b><span style="font-family: &quot;Arial&quot;,&quot;sans-serif&quot;;"><span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;</span>(Caracas, 1968) obtuvo la licenciatura en Artes Plásticas, Mención Artes Gráficas, en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón en 2006 y realizó un Diplomado en Fotografía en el Centro Nacional de la Fotografía en 2009. En 2011 presenta su primera muestra individual bajo el título Ciudades de arriba en El Anexo / Arte Contemporáneo. Entre las principales exposiciones colectivas en que ha participado se encuentran:<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span></b>Fotofía 2011 / Expedientes (Secadero 5. Parque Cultural<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span>La Trinidad, 2011), <span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp;</span>Miradas de Europa (Centro Cultural Chacao, 2010), Fotografía Emergente (CELARG, 2010), Venezuela y Acciones Locales (Centro Cultural Chacao, 2010), Cartas del Barrio (Museo Jacobo Borges, 2007), I Bienal Internacional de Fotografía (Museo Alejandro Otero, 2006).<span style="mso-spacerun: yes;">&nbsp; </span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-37470897691162552832011-10-22T19:38:00.000-07:002011-11-28T08:52:17.991-08:00Suwon Lee/ Paraiso Artificial<div style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"></span></div><div class="post-body entry-content" id="post-body-8377585632029627847" style="margin-bottom: 0px; margin-left: 5px; margin-right: 6px; margin-top: 0px;"><div class="MsoNormal" style="line-height: 21px; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-aokd_vnkr18/TqN-YU9vwpI/AAAAAAAAABI/KfDI-xRe8Sw/s1600/SUCRE505.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="239" src="http://3.bp.blogspot.com/-aokd_vnkr18/TqN-YU9vwpI/AAAAAAAAABI/KfDI-xRe8Sw/s320/SUCRE505.jpg" width="320" /></a></div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Las descripciones iniciales del nuevo mundo realizadas por Cristóbal Colón dibujan el paisaje de una naturaleza abundante y cornucopia, así lo deja plasmado el navegante europeo a través de sus Diarios de viaje: </span></span><i><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">12 de octubre de 1492: Puestos en tierra vieron árboles muy verdes y aguas muchas y frutas de diversas maneras.</span></span></i></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">&nbsp;</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 21px; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">La diversidad del paisaje natural representaba, a los ojos de los viajeros, un claro indicio que éstos se hallaban frente a un escenario de los tiempos adánicos, la edad de oro, el paraíso perdido. Así, en su tercer viaje, ante la magnitud del caudal y raudal de lo que hoy es el río Orinoco, Colón creyó estar próximo al paraíso: </span></span><i><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Grandes indicios son estos del Paraíso Terrenal, porque el sitio es conforme a la opinión de estos santos e sanos teólogos y asimismo las señales son muy conformes, que yo jamás leí ni oí que tanta cantidad de agua dulce fuese así adentro e vecina con la salada; y en ello asimismo la suavísima temperancia. Y si de allí del Paraíso no sale, parece aun mayor maravilla, porque no creo que se sepa en el mundo de río tan grande y tan fondo. </span></span></i></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Resulta innegable que para la mentalidad del navegante genovés, el nuevo paisaje natural guardaba similitud a lo que describe el antiguo testamento sobre el Edén: </span></span><i><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Y plantó Jehovah Dios un jardín en Edén, en el oriente, y puso allí al hombre que había formado. Jehovah Dios hizo brotar de la tierra toda clase de árboles atractivos a la vista y buenos para comer; también en medio del jardín, el árbol de la vida y el árbol del conocimiento del bien y del mal. Un río salía de Edén para regar el jardín, y de allí se dividía en cuatro brazos. El nombre del primero era Pisón. Este rodeaba toda la tierra de Havila, donde hay oro. Y el oro de aquella tierra es bueno. También hay allí ámbar y ónice</span></span></i></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">. Entonces, así quedó concebida —imaginada— nuestra geografía como una: “Tierra de Gracia”, no fuimos el nuevo mundo, sino el viaje de retorno, la ida al pasado, a fin de cuentas el paraíso siempre ha sido un artificio, una imagen especular, un deseo, un paisaje idealizado, representado y habitado, para contener lo humano a imagen y semejanza de lo divino, pero —paradójicamente—: expulsado, desterrado, abandonado del amparo del ser, entregado al devenir permanente. La expulsión del paraíso se convierte, de esta manera, en acto fundacional del viaje como empresa inicial de la modernidad; asimismo, el retorno, se convierte en el reverso sensible del este gesto iniciático, desde la Ilíada de Homero, o Las mil y una noche, no existe viaje sin deseo de retorno. Así, podemos concluir que todo paraíso es una invención, una proyección, una utopía para hacer del futuro vivo e incierto un pasado tranquilo e inanimado.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 21px; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-s80XBhGL0SA/TqN-WW2mB4I/AAAAAAAAABA/nEPiHJBnxdo/s1600/LEE_ORCA-600x449.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="239" src="http://2.bp.blogspot.com/-s80XBhGL0SA/TqN-WW2mB4I/AAAAAAAAABA/nEPiHJBnxdo/s320/LEE_ORCA-600x449.jpg" width="320" /></a></div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Las imágenes de Suwon Lee que integran la muestra “Paraíso artificial” hablan de este deseo que convierte el paisaje natural y urbano en escenario prodigioso, fantástico y simultáneamente frágil, endeble. Devela las costuras de nuestras pulsiones modernas: formales, populares, globalizadas, localizadas, masificadas, serializadas, capaces de erigir a Moisés portando las tablas de la ley, haciendo posible el milagro de abrir las aguas del mar rojo para conducirnos de la oscuridad de la esclavitud hasta la tierra prometida: nuestro paraíso artificial, nuestra imagen de república postal, nuestro paisaje mesiánico del siglo XXI. Paraíso artificial muestra nuestros oasis múltiples, estacionamiento paradisíaco de la fantasía petrolera de gasolina barata y rustiqueo 4 x 4, milenarismo vacacional con música a todo volumen y la ilusión de probar el pan sin el sudor de la frente. Todo paraíso es un artificio, el nuestro se erige en la evocación inacabada del Tal Majal como confluencia descontextualizada, entre las indias occidentales y su homónima del oriente medio. Igualmente, se hacen presentes las imágenes de los monumentos del antiguo Egipto, nada asombra sobre estos vestigios estáticos y chapuceros, exotismos de la periferia, orientalismo caribeño, nuestra tierra de gracia también es conocida como la Venezuela saudita y nuestro impulso moderno emprende regularmente su viaje retornando al pasado, lo nuestro es el retorno como ideal de futuro: acaso hay diferencia entre Tutankamón, que se exhibe en el Sambil, y la necrofilia como espectáculo propia de la exhumación de los restos de Bolívar, definámoslo sin complejo, nuestra modernidad desde Guzmán Blanco se caracteriza por residir en los estilos de la mampostería, no en la estructura que la sostiene. Entonces, “Paraíso artificial”, registra la mampostería, muestra nuestro bestiario de Tiranosaurio Rex propio de Jurassic Park; Oso polar propio de cerveza polar; ballena orca propia de </span></span><i><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">liberen a Willie</span></span></i></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> o de </span></span><i><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Orca la ballena asesina</span></span></i></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">, nuestro paraíso está habitado por la fantasía inspirada en ser otra cosas, sucumbimos al síndrome de Michael Jackson, querer ser distinto al verdadero ser, o realmente somos la pretensión de ser otra cosa, siempre. Así, borramos nuestra memoria, yuxtaponemos nuestros paisajes, cada renovación urbana pretende borrar el pasado; total, el pasado no importa, la memoria no importa, la historia no importa. Nuestra proyección es regresar al paraíso perdido, retornar al jardín del Edén, para nosotros la memoria es la posibilidad de construir un paraíso artificial, emprender el viaje definitivo a la tierra de gracia que vieron los ojos de Colón y que agónicamente registra en su contingencia contemporánea las imágenes de Suwon Lee.</span></span></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 21px; text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 21px; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Texto de Gerardo Zavarce&nbsp;</span></span></span><br /><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Si desean ver a la artista hablando de su trabajo, les dejamos esta video-entrevista a Suwon Lee.</span></span></span><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><object width="320" height="266" class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://2.gvt0.com/vi/iE0DkAQelNo/0.jpg"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/iE0DkAQelNo&fs=1&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><embed width="320" height="266" src="http://www.youtube.com/v/iE0DkAQelNo&fs=1&source=uds" type="application/x-shockwave-flash"></embed></object></div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Arial;"><span class="Apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><br /></span></span></span></div></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-32866558491215286982011-10-22T19:22:00.000-07:002011-10-22T19:22:45.526-07:00Un recorrido por Sabana Grande con Suwon Lee (nota)<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-rYdDQ6dhWS0/TqN5_qhZrJI/AAAAAAAAAA4/FX8XVROHVGI/s1600/5708830.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="228" src="http://2.bp.blogspot.com/-rYdDQ6dhWS0/TqN5_qhZrJI/AAAAAAAAAA4/FX8XVROHVGI/s320/5708830.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Detalle de la serie Boulevard de Sabana Grande</td></tr></tbody></table>Desde Caracas, ciudad aborrecida y deseada, el paraíso se vislumbra como una<br />quimera imposible, sin lugar. No parece que en esta urbe de vértigo haya existido<br />alguna vez un pedazo de aquella socorrida “tierra de gracia” que avistó Colón.<br /><br />Irónicamente, las expectativas del país promisorio hunden sus raíces en el<br />territorio yermo de una naturaleza perdida, tal como sucede por ejemplo en el<br />Boulevard de Sabana Grande, uno de los núcleos más concurridos del Distrito<br />Capital. En algunos tramos quedan aún las reminiscencias nominales a las plantas<br />endémicas del lugar: apamates, jabillos, mangos y acacias hoy inexistentes dan<br />nombre a varias calles y avenidas transversales. En vez de la llanura alfombrada<br />por la vegetación silvestre, lo que está es un potrero de adoquines por donde<br />circulan diariamente manadas de transeúntes. En lugar del jardín edénico, lo que<br />hay es un infierno asfaltado (si cabe la paráfrasis al título del libro rubricado en<br />1963 por Adriano González León y Daniel González) donde crecen los signos<br />edificados –torres, postes, comercios- de un porvenir que nunca llega. Del resto,<br />hay que conformarse con el fulgor extinto de los letreros de antaño, las vidrieras<br />salpicadas de polvo y los vestigios estructurales de la economía informal.<br /><br />Suwon Lee recoge las paradojas y sinuosidades que configuran nuestro<br />imaginario urbano en sendos libros enrollados, impresos digitalmente sobre papel<br />de algodón, en cada uno de los cuales plantea un recorrido bidireccional por el<br />Boulevard de Sabana Grande a partir de fotografías realizadas en 2007, momento<br />en que acontece el desalojo de los comerciantes callejeros y el inicio de la<br />rehabilitación de la zona. Con la delicadeza perceptiva que caracteriza su trabajo y<br />con la ayuda de un ingenioso dispositivo diseñado para que las imágenes “rueden”<br />ante la mirada del espectador, la artista ofrece un testimonio exhaustivo y<br />multifocal del cambio fisionómico sufrido por este importante segmento de la<br />ciudad. Al mismo tiempo, Lee logra captar ese combate, aún inacabado, entre<br />la ruina y el esplendor, entre la pulsión destructiva y el orden recuperado, cuyo<br />sustrato se sostiene en las figuras modélicas del “paraíso perdido” y la “ciudad<br />ideal “.<br /><br />La propuesta, enmarcada en la exposición “Paraíso artificial”, denota un fuerte<br />contraste con la serie de fotografías realizadas por la autora en el complejo<br />turístico Las aguas de Moisés, ubicado en el estado Sucre. Sin embargo, estos<br />mundos confrontados, espacial y temporalmente irreductibles, comparten un<br />sesgo común en tanto se proyectan desde el simulacro y la ficción, revelando<br />irónicamente la lógica cultural que los estimula.<br /><br />Texto de Félix SuazoEl Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-4929331434753325022011-08-04T11:33:00.000-07:002011-08-04T11:33:05.736-07:00Teresa Mulet: Cada-ver-es, Cada-vez-más<div class="MsoNormal" style="font-family: 'Trebuchet MS', Trebuchet, Verdana, sans-serif; font-size: 14px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: justify;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-6O3NhvNOqXI/Tjrll1-9HiI/AAAAAAAAAA0/5m-OqA7i6Ko/s1600/Teresa+Mulet-peq.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="258" src="http://4.bp.blogspot.com/-6O3NhvNOqXI/Tjrll1-9HiI/AAAAAAAAAA0/5m-OqA7i6Ko/s320/Teresa+Mulet-peq.jpg" width="320" /></a><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">Nadie sabe realmente cuántos son, pero se siguen multiplicando hasta que sus cuerpos se convierten en figuras recortadas contra el asfalto o en bultos inertes identificados con una cifra. Hay tantos que en vez de nombrarlos se los cuenta porque cada uno de ellos es un vacío estadísticamente mensurable. A este lo “enfrió” una bala perdida cuando miraba la televisión, al otro lo acribillaron unos desconocidos que se dieron a la fuga –dicen que por venganza-, al de allá lo encontraron tendido en el suelo con el morral del colegio y sin zapatos. Los presentes no vieron ni escucharon nada. Tampoco hay quién explique la causa de tanto deceso inútil: las autoridades están recolectando evidencias y estableciendo el móvil de los hechos. Entre tanto, el luto acompaña a los deudos y los expedientes se acumulan en los tribunales.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: 'Trebuchet MS', Trebuchet, Verdana, sans-serif; font-size: 14px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;"><b>Cada-ver- es. Cada-vez-más</b></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">, instalación gráfica de Teresa Mulet, establece un paralelo metafórico entre la reproductibilidad mecánica de la imagen y el incremento de la criminalidad en el país. La serie, compuesta por cincuenta copias impresas sobre plástico negro, comienza con una silueta blanca que recrea la forma en que se delinea el levantamiento de un cadáver en las investigaciones policiales; sólo que aquí la imagen pende invertida en vez de mostrarse como un cuerpo yacente. Dicha matriz, se repite en los planos sucesivos hasta que los contornos se borran y la figura se diluye como una tachadura sobre el soporte; acaso una declinación forense del&nbsp;<i>suprematismo</i></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">&nbsp;malevichiano o quizás la resurrección&nbsp;<i>post-informal</i></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">&nbsp;de la necrofilia ballenera.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: 'Trebuchet MS', Trebuchet, Verdana, sans-serif; font-size: 14px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">Formada como diseñadora, Mulet hace un paréntesis en su investigación tipográfica para abordar lo que considera una urgencia cívica. La imagen corporal, recurso inédito en su trabajo precedente, adquiere un protagonismo rotundo en el cartel de gran formato, aunque la completa resolución de la propuesta trasciende el plano para arraigarse en el espacio. A partir de esta estrategia, la artista sugiere la progresión exponencial de los decesos por homicidio a través del recorrido, razón por la cual los elementos que componen la obra no están contra la pared sino incorporados a una estructura tridimensional donde el cartel recupera su dimensión objetual. En definitiva, la idea es ir del negro al blanco (o a la inversa), como quien transita del purgatorio a la región velada en que habitan los ángeles.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: 'Trebuchet MS', Trebuchet, Verdana, sans-serif; font-size: 14px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">En Venezuela, los impresos efímeros de carácter contestatario han perdido la fuerza de antaño, siendo reemplazados por medios más económicos e inmediatos como el&nbsp;<i>graffiti</i></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">&nbsp;y el&nbsp;<i>stencil</i></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">, a los que se suman el uso propagandístico y publicitario de los&nbsp;<i>plotters</i></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">. En medio de este panorama,&nbsp;<b>Cada-ver- es. Cada-vez-más</b></span><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">&nbsp;constituye un manifiesto visual que retoma la función del cartel como vehículo crítico o de denuncia pública.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="font-family: 'Trebuchet MS', Trebuchet, Verdana, sans-serif; font-size: 14px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span lang="ES-VE" style="font-family: Arial; font-size: 12pt;">Mulet propone una vuelta a los medios de impresión semiartesanales, donde el proceso y las exigencias de la materia adquieren una gran importancia. Ese retorno, al rodillo, el frotado y la tinta es un ritual que emula simbólicamente los padecimientos y esfuerzos de “levantar un cadáver” en la escena del crimen. Pero, así como cada persona fallecida es distinta en su fisionomía e historia, cada una de las copias que conforman la serie es diferente y, por tanto, única. De esta manera, imprimir una y otra vez sobre cada pliego de plástico equivale a grabar sobre este un nuevo obituario, como si la gráfica fuera un epitafio y el soporte una lápida.</span></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-19245887191238054322011-06-11T21:07:00.000-07:002011-06-13T16:38:16.347-07:00El Anexo en la FIA 2011<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Z6b6Qb1mCfs/TfQ62sv6CdI/AAAAAAAAAAw/iO-hBn4dEOQ/s1600/index_r1_c1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="141" src="http://4.bp.blogspot.com/-Z6b6Qb1mCfs/TfQ62sv6CdI/AAAAAAAAAAw/iO-hBn4dEOQ/s200/index_r1_c1.jpg" width="200" /></a><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Transcurridos cuatro años desde su fundación, El Anexo / Arte Contemporáneo&nbsp;presenta en la Feria Iberoamericana-FIA 2011 un conjunto de autores y&nbsp;propuestas de gran significación en el panorama de la producción visual en&nbsp;Venezuela. Los trabajos forman parte de una genealogía crítica que arranca&nbsp;con la corriente postconstructiva, entre cuyos representantes destacan <b>Diego&nbsp;Barboza y Eugenio Espinoza</b>. En ellos, idea acción y documento manifiestan&nbsp;un giro reflexivo que afecta la noción de obra y su relación con el mundo.&nbsp;</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">De allí&nbsp;derivan búsquedas que abordan la lógica de las representaciones y su vínculo&nbsp;con distintas instancias del debate público, abarcando aspectos como género,&nbsp;institucionalidad, historia y comunidad, entre otros. En ese horizonte se ubican&nbsp;<b>Argelia Bravo, Déborah Castillo, Juan José Olavarría, David Palacios y&nbsp;Juan Carlos Rodríguez,</b> quienes conjugan medios y lenguajes diversos en&nbsp;función de su efectividad contextual.&nbsp;</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Otra variante de estas exploraciones son las&nbsp;propuestas de <b>Lisa Blackmore e Iván Candeo,</b> quienes se centran en la imagen&nbsp;fotográfica y videográfica, respectivamente.&nbsp;</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">En resumen, las obras que estarán reunidas en nuestro stand&nbsp;sintetizan algunas de las fijezas y expectativas del arte contemporáneo, dejando al&nbsp;descubierto su naturaleza autoreferencial y contingente.</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Desde el 15 hasta el 20 de junio, el stand 32 de la FIA Caracas 2011 será el espacio de El Anexo. Los esperamos.</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;"><br /></span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Salón Naiguatá. Hotel Tamanaco Intercontinental</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Horario:</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Miércoles 15 de junio. Gala Inaugural. 7:00PM</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">(entradas Bs 200 a beneficio de las damas salesianas).</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Jueves 16&nbsp;&nbsp;y&nbsp;viernes 17 2:00 a 9:00 PM</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Sábado 18&nbsp;y Domingo 19. 11:00AM a 9:00PM</span><br /><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;">Lunes 20. 2:00 a 9:00 PM</span>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-37569778057941715422011-05-29T17:32:00.000-07:002011-05-29T17:32:44.324-07:00Eugenio Espinoza en El Anexo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-7_jgfYu1amw/TeLlPYeRf-I/AAAAAAAAAAk/v4OTN-8c1FY/s1600/P1040504.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="150" src="http://3.bp.blogspot.com/-7_jgfYu1amw/TeLlPYeRf-I/AAAAAAAAAAk/v4OTN-8c1FY/s200/P1040504.JPG" width="200" /></a></div><div style="font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; text-align: justify;">&nbsp;<span style="font-size: small;">La muestra de Eugenio Espinoza que se exhibe desde el 15 de mayo hasta finales de junio en el espacio de El Anexo&nbsp; Arte Contemporáneo, está compuesta por una serie de telas irregulares sobre las que yuxtapone trazos reticulares inconclusos y fotografías cosidas.&nbsp;</span></div><div style="font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; text-align: justify;"><span style="font-size: small;">En estas obras existe una oscilación complementaria entre la precariedad física y la densidad especulativa. El artista ha sustraído el bastidor, el marco y hasta la imprimación de la superficie, dejando el soporte crudo, como si el hecho pictórico fuera en realidad la suma de estas carencias e incorrecciones.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-9NU3fB-Mo4s/TeLlRUnUCSI/AAAAAAAAAAo/fu-016lXTR0/s1600/P1040508.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="150" src="http://3.bp.blogspot.com/-9NU3fB-Mo4s/TeLlRUnUCSI/AAAAAAAAAAo/fu-016lXTR0/s200/P1040508.JPG" width="200" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; font-size: small;">Las piezas reunidas en la muestra X&amp;Y no guardan una correspondencia precisa con algo definido. Sin embargo, todo está a la vista, sobre todo ese pathos retrospectivo de la fotografía puesta como un retazo sobre la superficie.<br />&nbsp;La imagen se aferra a la tela sin eludir su condición parasitaria, dejando ver “la<br />costura” que la une al mundo visible, al tiempo que hace evidente la fragilidad del<br />vehículo que la sustenta. En este caso, la idea de la pintura queda en suspenso,<br />oscilando entre el documento y la negación de la iconicidad. Aquí la obra encarna<br />una postura ambivalente desde el punto de vista perceptivo; operación que se<br />torna aún más crítica en la medida en que allí se confrontan el registro de una<br />situación pretérita con el relato inconcluso de lo que aún está sucediendo.<br /><br />Eugenio Espinoza (Venezuela, 1950). Destacado artista visual venezolano. Estudió en<br />la Escuela de Artes Plástica Cristóbal Rojas (1966-71); Instituto de Diseño Newmann-<br />Ince (1971-74); Pratt Graphic Arts Institute (New York, 1977-79); School of Visual Arts<br />(New York, 1980). Ha realizado innumerables exposiciones individuales y colectivas, tanto<br />en Venezuela como en el resto del mundo. Destacan recientemente: X, aluminados. X;<br />sostenidos (Sala Mendoza, 2009); La Consagración de la Primavera (Periférico CCS Arte<br />Contemporáneo, 2008). Actualmente vive y trabaja en Miami USA.</span></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8475016217806443555.post-23139547155297179152011-05-15T17:17:00.000-07:002011-05-29T17:20:06.798-07:00X&Y / Eugenio Espinoza<div class="MsoNormal" style="color: black; font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; margin-bottom: 6pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span">&nbsp;Según Roland Barthes, “la propia práctica del cuadro es toda su teoría”</span><a href="http://elanexogaleria.blogspot.com/#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span class="Apple-style-span">[1]</span></span></a><span class="Apple-style-span">. Entonces, cuando tales o cuales procedimientos o materiales son empleados en una obra, estos se convierten en las variables significativas de una ecuación perceptiva. Este es el origen de la actividad codificadora y también la condición de posibilidad del sentido, aunque sus efectos no siempre son evidentes. </span></span></div><div class="MsoNormal" style="color: black; font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; margin-bottom: 6pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span">Enmarcado en esta premisa, Eugenio Espinoza desarrolla la exposición </span><b><span class="Apple-style-span">X&amp;Y</span></b><span class="Apple-style-span">, compuesta por una serie de telas irregulares sobre las que se yuxtaponen trazos reticulares inconclusos y fotografías cosidas. Hay en estas obras una oscilación complementaria entre la precariedad física y la densidad especulativa. El artista ha sustraído el bastidor, el marco y hasta la imprimación de la superficie, dejando el soporte crudo, como si el hecho pictórico fuera en realidad la suma de estas carencias e incorrecciones. Pareciera entonces que la operación demiúrgica se proyecta desde la pulsión destructiva y el desmembramiento de los medios que la legitiman como arte. Esa es la irresistible (y contradictoria) gramática del cuadro, toda vez que afirma su significado en la propia conflictividad de los atributos que lo conforman.</span></span></div><div class="MsoNormal" style="color: black; font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; margin-bottom: 6pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span">No es la primera vez que Espinoza aborda tales presupuestos. Ellos se advierten con extrema severidad en las pinturas sostenidas presentadas en la exposición </span><b><span class="Apple-style-span">X, aluminados X, sostenidos</span></b><span class="Apple-style-span"> (Sala Mendoza, 2009). En aquella oportunidad, como en la serie que ahora comentamos, la obra es un constructo que extrae su plenitud de los despojos, dejando abierta una interrogante. </span></span></div><div class="MsoNormal" style="color: black; font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; margin-bottom: 6pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span">Fuera ya del modelo platónico y su crítica a las apariencias, Espinoza soslaya la supuesta dualidad entre geometría e imagen. Aquí no hay dilema entre la abstracción y la representación, sino entre la pintura como experiencia inteligible y la entropía. ¿Quién o qué es X? ¿Cuál es el significado de Y? Mucho se podría especular al respecto, pero conviene recordar que X y Y son los ejes matriciales del sistema de coordenadas propuesto por René Descartes a partir de dos rectas perpendiculares que se cortan sobre un plano. Dado este precedente, se presume que la pintura -tal como se la entiende convencionalmente- es un fenómeno vectorial circunscrito a dos dimensiones, algo similar al esquema cartesiano de las abscisas y las ordenadas. </span></span></div><span style="font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; font-size: small;"><span lang="ES-VE" style="color: black;"><span class="Apple-style-span">En realidad, las piezas reunidas en la muestra </span><b><span class="Apple-style-span">X&amp;Y</span></b><span class="Apple-style-span"> no guardan una correspondencia precisa con algo definido. Sin embargo, todo está a la vista, sobre todo ese pathos retrospectivo de la fotografía puesta como un retazo sobre </span></span><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><span class="Apple-style-span">la superficie. La imagen se aferra a la tela sin eludir su condición parasitaria, dejando ver “la costura” que la une al mundo visible, al tiempo que hace evidente la fragilidad del vehículo que la sustenta. En este caso, la idea de la pintura queda en suspenso, balanceándose entre el documento y la negación de la iconicidad. Aquí la obra encarna una postura ambivalente desde el punto de vista perceptivo; operación que se torna aún más crítica en la medida en que allí se confrontan el registro de una situación pretérita con el relato inconcluso de lo que aún está sucediendo.</span></span><span class="Apple-style-span" style="color: black;"> </span></span><br /><div class="MsoNormal" style="color: black; font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif; margin-bottom: 6pt; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><b><span class="Apple-style-span">X&amp;Y</span></b><span class="Apple-style-span"> es un ejercicio de memoria, un ritual de autoreflexivo, que incorpora diferentes regímenes de visión y las epistemologías que les corresponden. Quien quiera descifrar el sentido de tal propósito debe mirar a través de la fijeza especular de la fotografía, sortear la parquedad estructural de la geometría y recorrer la impredecible ligazón de los fragmentos. Ya en ese horizonte, la sentencia barthesiana que encabeza este comentario cobra mayor claridad y vigencia, pues cualquier razonamiento referido a las obras de Espinoza es deducible de la misma práctica que las origina, aún cuando ésta se sustente en variables indefinidas. </span></span></div><div style="color: black; font-family: &quot;Trebuchet MS&quot;,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span class="Apple-style-span"><br /></span></span> <br /><hr align="left" width="33%" /><div id="ftn1"><div class="MsoFootnoteText"><span style="font-size: small;"><a href="http://elanexogaleria.blogspot.com/#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-VE"><span class="Apple-style-span">[1]</span></span></span></a><span lang="ES-VE"><span class="Apple-style-span"> Barthes, Roland. Lo obvio y lo obtuso. Imágenes, gestos, voces. Ediciones Paidos Ibérica S.A., Barcelona, 1986, p. 155</span></span></span></div></div></div>El Anexohttps://plus.google.com/104168294379886562509noreply@blogger.com0